sábado, 29 de diciembre de 2007

Listado de Sugerencias

Me ha llegado un manuscrito, de uno de nuestros cinecluberos, con 16 películas y un breve comentario a cada una de ellas, para programar. Transcribo:

1
M, el vampiro de Dusseldorf (1931) Fritz Lang
Obra cumbre del expresionismo alemán y crítica profunda a una sociedad histérica y desequilibrada, Con una atmósfera extraña y envolvente. Sentó las bases del cine de psicópatas
M es una película policial dirigida por Fritz Lang en el año 1931. Fue su penúltima película dirigida en Alemania, y siempre la consideró su favorita. Su ambientación oscura debe interpretarse dentro del pesimismo producto de la derrota alemana en la I Guerra Mundial. M fue una de las primeras películas en emplear fuertemente un leitmotiv.
Argumento
El argumento está inspirado en hechos reales. En la ciudad de Düsseldorf anda suelto un asesino de niñas, y la policía lo busca. Los criminales que viven en los bajos fondos de la ciudad también deciden buscarlo, dado que la presión policial les está arruinando sus negocios.
Curiosidades
Fue la primera película sonora de Lang, a un año de que se haya incorporado el sonido al cine.
Célebre por la interpretación de Peter Lorre, quien luego de esta participación quedó tipificado por el personaje de villano
Está inspirada en el caso real de Peter Kürten, que asesinó a varios niños en la ciudad de Düsseldorf.
El fragmento de Peer Gynt que silba con gran frecuencia el personaje del asesino no era silbado por el actor Peter Lorre si no por Fritz Lang. A Lorre le resultaba muy difícil silbar la melodía durante largo rato y sin perder aire. Lang lo hizo por él ya que tenía gran habilidad para ello.
2
Alexander Nevsky, 1938, Rusia

Obra cumbre de la estética rusa de entreguerras y una obra maestra
Dirección: Sergei Eisenstein, D. I. Vassiliev. Intérpretes: N. P. Okhlopkov, Nikolai Cherkassov, A. L. Abrikossov, V. O. Masalitinova, V. S. Ivasheva. Duración: 1 hora 48 minutos
Alexander Nevsky (Александр Невский) is a 1938 historical drama film directed by Sergei Eisenstein and Dmitry Vasiliev and produced by Mosfilm, based on the life of Alexander Nevsky. With Nikolai Cherkasov in the title role and a score by Sergei Prokofiev, Alexander Nevsky is Eisenstein's most popular sound film, and has an audience appeal not found in his Ivan the Terrible.
Título Original: Alexander Nevsky
Año: 1938
Director: Sergei M. Eisenstein
Duración: 112 min
Guión: Sergei M. Eisenstein & Piotr A. Pavlenko
Música: Sergei Prokofiev
Fotografía: Eduard Tissé (B&W)
Reparto: Paul Richter, Margarete Schön, Hanna Ralph, Theodor Loos, Hans Adalbert von Schlettow, Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Erwin Biswanger
Género: Drama épico/histórica
Género: Tras pasarse una década sin estrenar ninguna película, en 1938 Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra con el relato épico del principe Alexander Nevsky y su defensa de la zona norte de Rusia ante el ataque de los teutones. Narra la historia del Príncipe Alexander Nevsky desde su aparente posición de humilde pescador hasta su condición de héroe de guerra que llevó a su país a la victoria. Es el año 1242 y la historia comienza con la constante invasión de las tropas Mongoles a Rusia. Algunas de las organizaciones rusas, trataron, y consiguieron, la creación de un pacto de no-agresión, pero la gente consideraba a estos líderes como cobardes y traidores y Alexander paso a dirigir al proletariado a una batalla contra los nuevos invasores.

3
El triunfo de la voluntad
Obra maestra de la estética nazi y un testamento escalofriante del poder del fuhrer para imponer una estética espiritual para lo que es claramente político. Gran influencia en documentales posteriores”
El triunfo de la voluntad (en alemán, Triumph des Willens) es una película propagandista nazi dirigida por Leni Riefenstahl. Muestra el desarrollo del congreso del Partido Nacionalsocialista en 1934 en Núremberg. La película incluye imágenes de miembros uniformados del partido desfilando (aunque aparecen relativamente pocos soldados alemanes) al son de conocidas marchas, además de partes de discursos de varios líderes nazis en el Congreso como Adolf Hitler. Fue Hitler quien encargó el filme y su nombre figura en los créditos iniciales. El tema principal de El triunfo de la voluntad es el regreso de Alemania a la categoría de potencia mundial, con Hitler como una especie de mesías que devolverá la gloria a la nación.
La película se estrenó en 1935 y es una de las películas de propaganda más conocidas de la historia del cine.
Las técnicas utilizadas por Riefenstahl, que incluyeron cámaras en movimiento, el uso de teleobjetivos para crear una perspectiva distorsionada, fotografía aérea y un revolucionario enfoque en el uso de la música y la cinematografía, han hecho que El triunfo sea considerado como el documental político artístico mejor consumado en la historia del cine.
Riefenstahl ganó varios premios, no sólo en Alemania, sino también en Estados Unidos, Francia, Suecia y otros países. Esta película ha influenciado otros filmes, documentales y publicidades hasta el día de hoy, aun cuando es un ejemplo que pone en cuestión la delgada línea entre arte y moralidad.
Argumento
El triunfo de la voluntad ha sido descrita como «por nazis, para nazis y sobre los nazis». El filme comienza con un prólogo, el único comentario en toda la película. En un muro de piedra, aparece el siguiente texto: «El 5 de septiembre de 1934, ... 20 años después del estallido de la Guerra Mundial ... 16 años después del comienzo de nuestro sufrimiento ... 19 meses después del inicio del renacimiento alemán ... Adolf Hitler voló otra vez a Núremberg a inspeccionar las columnas de sus fieles seguidores».
Día 1: La película comienza mostrando imágenes de las nubes sobre la ciudad, para luego atravesarlas y flotar sobre las masas reuniéndonse debajo, con la intención de marcar la belleza y la majestuosidad de la escena. La sombra del aeroplano de Hitler es visible mientras pasa sobre las pequeñas figuras que marchan debajo, acompañada por música de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner, que lentamente se transforma en la Horst Wessel Lied. Luego de arribar al aeropuerto de Núremberg, Hitler emerge de su aeroplano para recibir el atronador aplauso de un multitud entusiasmada. Seguido por las aclamaciones de la gente, es conducido entonces a la ciudad hacia su hotel, donde un mítin nocturno tendrá lugar más tarde.
Día 2: El segundo día comienza con un montaje de los concurrentes preparándose para la apertura del Congreso del Partido, mostrando el arribo de los más destacados oficiales nazis al Luitpold Arena. La película salta después a la ceremonia de apertura, donde Rudolf Hess anuncia el inicio del Congreso. La cámara presenta luego a la mayoría de la jerarquía nazi y cubre sus discursos de apertura, incluyendo a Joseph Goebbels, Alfred Rosenberg, Hans Frank, Fritz Todt, Robert Ley, y Julius Streicher. El filme muestra posteriormente un mítin del Reichsarbeitdienst («Servicio de Trabajo del Reich»), que consiste primordialmente en una serie de habilidades pseudo-militares llevados a cabo por hombres con palas. Aquí es asimismo donde Hitler pronuncia su primer discurso sobre los méritos del Servicio de Trabajo, elogiándolos por su trabajo en reconstruir Alemania. El día termina con un desfile de antorchas de las SA.
Día 3: El tercer día se inicia con un mítin de las Juventudes Hitlerianas en el campo de desfiles. De nuevo la cámara cubre la llegada de los dignatarios nazis y la presentación de Hitler por Baldur von Schirach. Luego Hitler se dirige a la JH, expresándoles en términos militaristas cómo deben endurecerse y preparase para el sacrificio. Todos los presentes se congregan para una pasada e inspección militar, incluyendo caballería de la Wehrmacht y varios vehículos armados. Esa noche Hitler realiza otro discurso a la oficialidad de bajo rango reunida a la luz de las antorchas, conmemorando el primer año desde que los nazis tomaron el poder y declarando que el partido y el estado constituyen una sola entidad.
Día 4: El cuarto día es el clímax narrativo del filme, donde aparecen las imágenes más memorables. Acompañado por la música de Götterdämmerung, Hitler, flanqueado por Heinrich Himmler y Viktor Lutze, camina a través de una ancha y larga extensión rodeado por más de 150.000 tropas de las SA y SS formados en espera, para depositar una ofrenda en un memorial de la Primera Guerra Mundial. Posteriormente Hitler inspecciona las formaciones de SA y SS, para luego dar un discurso con Lutze en donde discuten la purga de la SA ocurrida meses antes. Lutze reafirma la lealtad de la SA hacia el régimen y Hitler la absuelve de cualquier crimen cometido por Ernst Röhm. Nuevas banderas del partido son consagradas haciéndolas tocar la Blutfahne (la misma bandera que llevaban los nazis derrotados durante el Putsch de Múnich) y luego de un desfile final en frente de Núrenberg Frauenkirche, Hitler realiza su discurso de cierre. En él reafirma la primacía del partido nazi en Alemania, declarando, "Todos los alemanes leales se volverán nacional-socialistas. ¡Sólo los mejores nacional-socialistas son camaradas del partido!". Hess lidera entonces a la multitud reunida en un saludo final para Hitler, marcando el final del congreso partidario. El filme se funde en negro mientras toda la multitud canta la Horst Wessel Lied.
Orígenes
"Poco después de su llegada al poder, Hitler me mandó llamar y me explicó que quería un filme acerca de un Congreso del Partido y que quería que yo lo hiciera. Mi primera reacción fue decir que yo no sabía nada acerca del modo en que funcionaba una cosa así o acerca de la organización del Partido, de modo que fotografiaría las cosas equivocadas y no complacería a nadie, aun suponiendo que pudiera hacer un documental, lo que nunca había hecho antes. Hitler dijo que era por esto exactamente que quería que yo lo hiciera: porque cualquiera que supiera todo acerca de la importancia relativa de las personas y grupos y demás podría hacer un filme pedante y exacto, pero que esto no era lo que él quería. Él quería un filme que mostrara el Congreso desde un ojo no experto seleccionando, sólo lo que fuera artísticamente satisfactorio; en términos de espectáculo, supongo que se puede decir. Él quería un filme que movilice, atraiga, impresione a una audiencia que no estaba necesariamente interesada en la política." -- Leni Riefenstahl
Riefenstahl, una popular actriz alemana, había dirigido su primer filme Das Blaue Licht (La luz azul) en 1932. Más o menos por la misma época escuchó por primera vez un discurso de Hitler en un mítin nazi y, según ella misma admitió, quedó impresionada. Más tarde comenzó a mantener correspondencia con él, situación que duraría años. Hitler, a su vez, quedó igualmente impresionado con Das Blaue Licht, y en 1933 le pidió a Riefenstahl que dirija un filme acerca del mítin nazi anual en Núremberg. Los nazis habían tomado el poder recientemente en un período de inestabilidad política (Hitler era el cuarto canciller alemán en menos de cuatro años) y eran desconocidos por muchos alemanes, sin mencionar por el resto del mundo.
Riefenstahl se mostró inicialmente renuente, no debido a algún tipo de problema moral, sino porque quería seguir haciendo filmes de ficción. Hitler insistió, y Riefenstahl eventualmente accedió a realizar un filme basado en el mítin de Núremberg de 1933 llamado Der Sieg des Glaubens. Sin embargo, el filme tuvo numerosos problemas técnicos, incluyendo falta de preparación (Riefenstahl reportó haber tenido sólo unos días) y la aparente aprensión de Hitler a ser filmado. Para empeorar las cosas, Riefenstahl tuvo que lidiar con la oposición de oficiales del Partido, en particular con Joseph Goebbels, quien trató de que el filme fuera lanzado por el Ministerio de Propaganda. Aunque a Sieg aparentemente no le fue tan mal en la taquilla, más tarde se volvió un motivo de escarnio para los nazis luego de que el líder de las SA, Ernst Röhm, quien tuvo un rol prominente en el filme, fuera ejecutado durante la Noche de los Cuchillos Largos.
En 1934, Riefenstahl no tenía deseos de repetir el fiasco de Sieg e inicialmente recomendó a un colega, el director Walter Ruttmann. El fim de Ruttmann, que hubiera abarcado el ascenso del Partido Nazi desde 1923 a 1934 y que hubiera sido más abiertamente propagandístico (el texto de apertura de El triunfo es suyo), no atrajo a Hitler. Éste volvió a insistirle a Riefenstahl, quien cedió finalmente (todavía se debate qué tan dispuesta se encontraba ella), luego de que Hitler le garantizara su apoyo personal y la promesa de impedir a los demás organismos nazis, específicamente el Ministerio de Propaganda, involucrarse con su filme.
4
“La vida futura” D. William Cameron Menzies
Versión futurista de una gran guerra de grandes dimensiones y que dura 25 años, que muestra el eterno conflicto entre el amor y la muerte en los asuntos humanos. Influencia posterior en Ridley Scout, con “Blade Runner” (1982). Película extraña.”
La película se estructura en cuatro partes diferenciadas que nos mostrarán el devenir del progreso de la humanidad, desde la época actual (1940) hasta una sociedad utópica situada en el 2036 después de una larga y cruenta guerra. Todo transcurre en una ciudad simbólica, que nos servirá como marco referencial: Everytown, digamos que el referente real sería Londres. Pues la película está marcada por un carácter bélico muy fuerte fruto de la época, no olvidemos que estamos en los años previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y se nota, se nota mucho.

Ficha TécnicaDirector: William Cameron Menzies
Productor: Alexander Korda para London Film
Guión: H. G. Wells, basado en su novela The Shape of Things to Come
Fotografía: Georges Périna
Música: Arthur Blis
Director Artístico: Vincent Korda
Intérpretes: Raymond Massey (John Cabal/Oswald Cabal), Edward Chapman (Pippa Pasworthy/Raymond Passworthy), Ralph Richardson (El Jefe), Maurice Bradell (Dr. Harding), Margaretta Scott (Roxana/Rowena), Cedric Hardwicke (Theotocopulos), Sophie Stewart (Señora Cabal), Derrick De Marney, Ann Todd, Pearl Argyle, Terry-Thomas…
Nacionalidad y año: UK 1936
Duración y datos técnicos: aprox. 90 min. B/NSe comenta que H. G. Wells, uno de los máximos precursores de la literatura de ciencia-ficción tal como hoy la conocemos, tuvo prácticamente las manos libres para abordar esta película, basada en una propia novela anterior: The Shape of Things to Come. No es de extrañar que el escritor aprovechara la plataforma que se había ganado a pulso para imprimir en ella su discurso social, basado en el socialismo utópico. Podríamos decir, además, que fue un caso en que la dualidad autor de la novela/guionista no provocó grandes conflictos con el director del film, sino que el tándem fue bueno.Para la dirección se contó con el debutante William Cameron Menzies, responsable de otro recordado clásico de la ciencia-ficción con un tono muy diferente, Invaders From Mars, de 1953. Menzies, que provenía del campo de la dirección artística, puso precisamente una especial atención en los aspectos artísticos y técnicos de la película, como se puede comprobar con el espectacular resultado final.

La Vida Futura es, primero de todo, un canto al progreso de la humanidad y un fuerte alegato antibelicista estructurado en cuatro partes diferenciadas. Casi un siglo transcurre ante nuestros ojos a lo largo de la hora y media que dura la película. Olvidémonos entonces de otro protagonista que no sea la propia humanidad en sí, representada por el pueblo de Everytown. Aunque el hilo conductor lo lleve John Cabal (Raymond Massey) y uno de sus descendientes, interpretado por el mismo actor (muchos lo recodarán por su interpretación de “clon de Boris Karloff” en Arsénico por compasión, gran película sí, gran película... y un Gary Grant espléndido), lo que nos interesa en la película es el progreso del ser humano como tal. Para reforzarlo, en ningún momento se nos explica quiénes son los enemigos en la contienda -aunque quede bastante claro- y Everytown, pese a ser Inglaterra, es un pueblo imaginario.
Esta maravilla cinematográfica es un ejemplo de planificación, montaje y fotografía impecable. A su vez, se trata de una brillante especulación futurista, que pese a verse superada por el propio paso de los años, mantiene muchos de sus postulados vigentes. A menudo injustamente olvidada, se trata junto a Metropolis (Fritz Lang) de una obra imprescindible para entender la ciencia ficción actual.

5
“Los niños del paraíso” (1945) D. Marcel Carné
Basada en tres historias reales, un mimo, un actor y un dramaturgo metido a bandido; enamorados de una mujer que representa el eterno femenino. Cumbre del “realismo poético” o del “romanticismo pesimista”, realizada en plena ocupación alemana y sin sufrir censura, con productor alemán. Es la película más francesa de la historia. Hay una frase que dice: “Paris es pequeño para dos almas que se aman

La película es evidente que supone un espléndido ejemplo de “gran producción”, destacando en ella tanto la riqueza de su vestuario, excelente ambientación y poderosos decorados interiores y –fundamentalmente- exteriores, responsabilidad de un Alexander Trauner entonces en plena clandestinidad. Todo ello para lograr la perfecta reconstrucción del parís de un siglo atrás –en concreto 1840-, y a mi juicio apostando una vez más por la fórmula del film d’art aunque afortunadamente dotándolo de vivacidad y entidad propia. Es evidente que nos encontramos ante una obra de equipo, en el que destaca la presencia como guionista de Jacques Prévert, matizando situaciones tragicómicas y ofreciendo diálogos de gran belleza.LES ENFANTS DU PARADIS es -en el fondo-, la demostración de la metáfora de la puesta en escena de la vida. En numerosas ocasiones las bajadas de un hipotético telón subrayan esa condición de drama o de tragedia que tiene la existencia, fundamentalmente por el amor no correspondido. La influencia de cada rasgo de carácter tendrá una determinante respuesta en el futuro, mientras que la presencia directa del mundo teatral y el de los volatineros y mimos se muestra como en una amigable competencia.
6.
“El intendente Sansho” (1954) Kenji Mizoguchi
Sin compasión, un hombre ya no es humano” dice un gobernador del Japón medieval. Historia de búsqueda de la familia y el tiempo perdido; y lucha contra la injusticia”.
Una de las mejores películas de la historia del cine japonés, y sin duda, una de las que más contribuyó a la difusión en Occidente de esta cinematografía. Obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia de 1954
Tamaki viaja a través del Japón con sus dos hijos, Zushiô y Anju. Regresan a su pueblo natal tras varios años, y recuerdan el momento en el que tuvieron que partir: su padre, gobernador del pueblo, cayó en desgracia por su trato justo hacia los campesinos. Durante ese camino van recordando las enseñanzas de su padre: los hombres son iguales y hay que apiadarse hasta de los enemigos. Una noche, se alojan en casa de una sacerdotisa, que ayuda a unos bandidos a raptar a los niños. Tamaki será vendida como prostituta, mientras los niños pasan a ser propiedad de Sansho, un cruel y miserable gobernador. El hijo de Sansho, se apiada de los niños, y les sugiere que oculten su verdadera identidad noble.Tras diez años en la hacienda de Sansho, Zushiô parece haber olvidado las enseñanzas de su padre y es uno de los más crueles esbirros de Sansho. Anju, su hermana, sigue trabajando en malas condiciones y sufre cuando sabe de las acciones de su hermano. Un día llega una nueva trabajadora que canta una canción que habla de dos hijos perdidos y añorados: ésta confiesa a Anju, la hija de Tamaki, que una vieja prostituta de la isla de la que viene la cantaba. Por esa canción, Anju sabrá que su madre aún les recuerda.Zushiô y Anju son obligados a llevar a una anciana moribunda a la montaña, para que sea devorada por las fieras y de ese modo no sea necesario enterrarla cuando muera. Anju incita a su hermano a que huya, mientras ella lo cubre. Zushiô carga con la moribunda y huye, mientras su hermana se inmola para evitar que la tortura le obligue a decir el lugar en el que su hermano se oculta. Los monjes budistas acogen a los fugitivos y los ocultan de sus perseguidores. La anciana moribunda se queda en el templo mientras Zushiô va a la ciudad a solicitar su libertad al Gobernador. Tras conocer su verdadera identidad, es reintegrado a su posición y nombrado alcalde, el mismo puesto que ocupó su padre, que murió un año antes. Como alcalde, promulga un decreto que da la libertad a todos los esclavos y acude a las tierras de Sansho para detenerlo, a pesar de que éste no está bajo su jurisdicción y depende directamente del emperador. Tras cumplir esa labor, dimite y se dirige a buscar a su madre, que vive ciega y abandonada.
7
“Cuentos de la luna pálida de agosto” (1953) Kenji Mizoguchi
Mezcla de lo real y lo sobrenatural de tal manera que no se pueden distinguir. PELÍCULA HERMOSA, POÉTICA Y HUMANA, PERO SOBRE TODO HERMOSA Y HUMILDE. No es su mejor película pero es la que más se queda en la memoria.”
SINOPSIS:
Basada en una leyenda del siglo XVI, narra la historia de dos ambiciosos campesinos que abandonan a sus familias en busca de poder, fama y riqueza.
8
“Los siete samurais” (1954) Akira Kurosawa
Drama de samurais e historia humana; nos cuenta la lucha de un grupo de guerreros por defender un pueblo de campesinos cobardes. Los campesinos ganan la libertad y ellos lo pierden todo. Valor y honor por encima de todo.”
Los siete samuráis - (七人の侍 Shichinin no samurai) es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954, y que influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western Los siete magníficos.
La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.
Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida
9
“Yojimbo” (1961) Akira Kurosawa
Historia de azar y lucha entre familias. Es en la primera película dónde un hombre se siente desnudo sin su revolver. Amarga y cruel. Copiada por Sergio Leone en “Por un puñado de dólares
Título Original: Yojimbo, 1961, JapónDirección: Akira Kurosawa Intérpretes: Takashi Shimura, Kamatari Fujiwara, Eijiro Tono, Isuzu Yamada, Toshirô Mifune Duración: 1 hora 50 minutos
La película se presentó en el festival de Venecia de 1961, lugar en que Kurosawa no era un desconocido. Era más bien un asiduo de los festivales desde que en 1950 ofreciera esa hermosa película sobre la verdad y la mentira que es Rashomon. O quizás ese título sea ante todo un ensayo perfecto sobre lo que es y supone el punto de vista narrativo. Kurosawa, en los años 60 y en los que seguirán hasta su muerte, es un maestro indiscutible del cine, acompañado muchas veces (como en este caso) de ese grandísimo actor que es Toshiro Mifune. Con Yojimbo, Mifune obtendría el premio de interpretación en el festival veneciano.
Yojimbo se convierte en una película mítica en cuanto su éxito lleva (como había ocurrido con Los siete samuráis) a la producción de varios remakes. Son los que conocíamos por aquí antes de editarse este hermoso filme de Kurosawa. El primero de ellos fue Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone, otro título importante por muchas causas (primer western de Leone, primera película en Europa de Clint Eastwood, primer spaghetti-western que alcanza grandes recaudaciones incluso... en Estados Unidos). El segundo (al menos reconocido y reconocible) El último hombre (Last man standing, 1996) de Walter Hill. El filme de Leone se ajusta más en estilo y forma al de Kurosawa, quizás por convertirlo en un western.
10
“Ran” (1985) Akira Kurosawa

Obra cumbre de kurosawa dónde muestra la sabiduría de toda una vida dirigiendo. Color hermosísimo, historia de venganza cruel, donde el destino se impone sin piedad.(“el hombre nace llorando, cuando muere, muere”)”.
Título: Ran de Akira KurosawaTítulo original: RanPaís: Japón, Francia Estreno en USA: 20/12/1985 Estreno en España: 15/09/1985 Lanzamiento en DVD (alquiler): 26/09/2007 Estreno en DVD (venta): 26/09/2007 Productora: Nippon Herald Films, Herald Ace, Greenwich Film Productions Director: Akira Kurosawa Guión: Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide (Historia: William Shakespeare) Reparto: Tatsuya Nakadai, Akira Terau, Jinpachi Nezu, Mieko Harada, Koji Yakusho, Yoshiko Miyazaki, Daisuke Ryu
Dentro la de excepcional filmografía de Akira Kurosawa, Ran supone un punto de inflexión. Con esta película, que mantiene todo el rumor ceremonioso del cine asiático, a pesar de la excesiva expresividad corporal de sus actores, el director japonés demostró una vez más su particular dicción cinematográfica con una historia de conflicto generacional donde vuelve a respirarse su capacidad lírica y esa sutilísima concepción de la metáfora que supone uno de los mástiles de su obra. Que el tema escogido, que la referencia sea El rey Lear tiene más significación cuando es abordada por Kurosawa
11
“La torre de los siete jorobados” (1944) Edgard Neville

La película más extraña y maravillosa que se haya rodado en España, imposible de repetir. Una ciudad secreta, judía, debajo de Madrid. Imagínense el resto… Hermosa, hermosa
Director: Edgar NevilleIntérpretes: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán, Antonio Riquelme, Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas
Descripción: En el Madrid castizo de finales del siglo xix, el enigmático fantasma del doctor Mantua revela al joven Basilio la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan decenas de siniestros jorobados dedicados a actividades criminales.Basilio consigue dar con la torre de los siete jorobados, en cuyo interior permanece secuestrada e hipnotizada Inés, la sobrina del difunto doctor. Tras varias peripecias, logra rescatarla y huir juntos del tétrico lugar.
12
“Amanecer en puerta oscura” (1957) José María Forqué
Historia de destino y fatalidad. Todo ocurre sin estar previsto, pero el amanecer en puerta oscura es lo que le da sentido
Título Original: Amanecer en puerta oscura, 1957, España, italiaDirección: José María Forqué Intérpretes: Francisco Rabal, Valeriano Andrés, Luisella Boni, Barta Barry, Alberto Farnesse, Luis Peña, Josefina Serratosa, Alfonso Muñoz, José Sepúlveda, José Marco Davó Duración: 1 hora 28 minutos

Argumento de Amanecer en puerta oscura
Andalucía, siglo XIX. La inquietud política y el malestar social condicionan la vida del país y alientan la lucha y la revuelta. Manchado por un delito de sangre, Juan Cuenca vive refugiado en los montes andaluces y es perseguido por la justicia. A él se unen un minero que ha dado muerte a su capataz y un ingeniero amigo que, por defenderlo, ha matado al jefe de la mina. Cercados por la Guardia Civil tratan de llegar al mar para embarcar clandestinamente hacia América...

13
“El topo” (1970) Alejandro Jodorowsky
Película de su tiempo y búsqueda infructuosa de la iluminación, sentimiento de vacío y soledad. Acto supremo de auto inmolación para redimir su culpa. Película extraña y muy personal de su director, diferente a cualquiera que se haya rodado
Cuento de duros pistoleros obsesionados con ganar duelos en el desierto para llegar a ser la pistola más rápida del Oeste. Con una visión surrealista cuidadosamente construida con desbordante imaginación y cifrados simbolismos, Jodorowsky amplía el concepto de realidad a un nivel desconocido.Guión y dirección: Alejandro JodorowskyProducida por:Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg y Roberto Viskin Ayudante de dirección:José Luis González de LeónMúsica:Alejandro Jodorowsky y Nacho MéndezFotografía:Rafael CorkidiEdición: Federico LanderosDirección artística:José DuránDiseño de producción:Alejandro JodorowskySonido:Gonzalo Gavira y Lilia LupercioDiseño de vestuario:Alejandro JodorowskyDecoración: José Luis Garduño
Ficha artística:El Topo: Alejandro JodorowskyHijo de El Topo: Brontis JodorowskyBandido 1: Alfonso ArauMara: Mara Lorenzio
14
“Solaris” (1972) Andrei Tarkovski
Abajo la realidad, viva la fantasía. No a la racionalidad y sí a los sentimientos. No es cine es la esencia de los deseos
URSS, 1972Título original: SolyarisDirección: Andrei TarkovskyGuión: Stanislaw Lem, Friedrich GorensteinProducción: Viacheslav TarasovMúsica: Eduard ArtemievFotografía: Vadim YusovReparto: Natalya Bondarchuk (Hari); Donatas Banionis (Kris Kelvin); Yuri Jarvet (Snauth); Anatoli Solonitsyn (Sartorius); Vladislav Dvorjetski (Burton); Nikolai Grinko (Father); Sos Sarkisyan (Gibaryan
PremiosLondres: Premio a la mejor película del año (1972). Cannes: Gran Premio Especial del Jurado; Premio Ecuménico (1972). San Francisco: Mejor Película; Premio del Jurado Interfilm (1972). Panamá: Premio a la mejor interpretación femenina (Natalia Bondarchuk) (1973). Carlovy Vary: Premio de la Asociación Internacional de Cine Clubs (1973). Stradford: Diploma de Honor (1973).
Unos cuervos vuelan sobre la nieve y el árbol nevado de un cuadro; un carro con tierra, niños jugando, campesinos, todos ellos en el paisaje helado. Una película donde Kris niño aparece acercándose a un fuego, y su madre, hermosa, distinta. Mientras, él y Harey flotan inmóviles en el aire: son unos minutos de ingravidez, la verdadera escena de amor. Luego Harey, que duda de su realidad, pide ser aniquilada, desaparecen los visitantes, surgen reflexiones: Dios, el sentido de la vida, el deseo de saber, el misterio de la felicidad y de la muerte. Pero es hora de volver a tierra: el agua y las hojas de la imagen inicial y aquel paisaje, pero ahora helado, paralizante; el mismo Kris que, como al principio, lo mira, parece ajeno al movimiento. Llega, sin embargo, a su casa. Junto a la puerta, un fuego. Desde fuera, a través de la ventana, ve en el interior a su padre (sobre su hombro cae la lluvia) y éste lo ve a él y sale a recibirlo. El humo se ensancha y nos aleja: la imagen de la casa, el padre y el hijo son una isla en el océano de Solaris, una masa plateada y sinuosa como un inmenso cerebro.
15
“Dead man” (1995) Jim Jarmusch

Metáfora sobre el hombre y su encuentro con el mundo y la naturaleza. Metáfora de cambio y de renacimiento a través de la destrucción de un mundo
Sinopsis:
William Blake acepta una oferta de trabajo en otra ciudad, pero cuando llega a su lugar de destino comprueba que el propietario de la factoría ha cedido su puesto a otra persona. En vista de ello, decide adentrarse en las tierras del Oeste.
Título Original: "Dead man".Género: Drama.Dirección: Jim Jarmusch .Guión: Jim Jarmusch .Reparto: Johnny Depp Crispin Glover

16
“Oldboy” (2003) Chan wook Park
“Visión oriental del mundo y sus injusticias, soledad del hombre, deseo de venganza. Todo en un argumento original. Todo es fuerza en esta historia”
Sinopsis:
Un hombre llamado Oh Dae-su es secuestrado. Lo mantienen en una habitación con televisión y sin ninguna comunicación sin saber por qué. La policía le atribuye a él la muerte de su mujer, ocurrida un año después de su secuestro. Oh Dae-su escribe todo lo que haya podido ofender a alguien preguntándose si alguna de esas cosas es la responsable de encontrarse en esa situación. Al cabo de 15 años lo ponen en libertad y recibe una llamada que le propone descubrir el motivo de su cautiverio.
Referencias:
Dirige Park Chan-wook (Corea del Sur, 1963), licenciado en Filosofía por la Universidad de Sogang e interesado siempre por el cine de arte y ensayo o de culto. Su filmografía incluye Zona conjunta de seguridad (2000) y Compasión por Mr. Venganza (2002).
Está protagonizada por Choi Min-Sik, que entrenó a lo largo de seis semanas para preparar el papel, perder varios kilos de peso, y ser su propio especialista.
El guión es se inspira en el manga homónimo de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki.
El director Bong Joon-ho (Memories of murder) le recomendó el manga al Park Chan-wook. Al igual que su anterior largo, la película habla de la venganza y reconoce que es posible que ambas cintas se parezcan en cierto sentido, aunque quería enseñar otra perspectiva de la venganza con Old Boy, concretamente el lado positivo, para que el espectador sienta la catarsis del acto vengador.
Está producida por Show East con la participación de Egg Film.
Consiguió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2004 y el correspondiente a mejor película y el de la crítica en el Festival de Cine de Sitges.
En una de las escenas se comieron ocho pulpos vivos, un plato típico en Corea, lo que provocó cierta controversia en algunos países. El director, cuando recibió el premio en el Festival de Cine de Cannes 2004, agradeció al equipo y a los pulpos el haber conseguido el galardón.
Fue candidata a los Premios del Cine Europeo 2004




domingo, 23 de diciembre de 2007

Azur et Asmar, una maravilla animada. El Jueves a las 19 h. 30'



El Cine Club Fetiche presenta estas navidades una película de animación para niños y no tan niños, "Azur y Asmar" (2006) de Michael Ocelot. Será el Jueves 27 a las 19 h 30'. ¡Cinecluberos traed a vuestros hijos y sobrinos! Será una gozada que ellos empiecen a disfrutar del cine como hacemos nosotros, del buen cine. Un cordial saludo y aprovechamos para desearos unas muy felices fiestas.

Hace dos temporadas llegó a nuestras salas una pequeña película de animación para niños que, poco a poco, y mediante el boca oreja, se convirtió en todo un éxito de taquilla. Se titulaba "Kirikou y la bruja", y, aunque en su país de origen, Francia, había sido también un gran éxito (generó incluso una secuela), y el personaje protagonista y sus aventuras ya era de sobra conocido, en nuestro país fue toda una sorpresa. Pues bien su director, Michel Ocelot ya tiene una nueva película de animación lista para su estreno. Con el título de Azur et Asmar, y con un estilo totalmente alejado del cine de animación al que, Hollywood, y sobre todo Disney nos tiene (mal) acostumbrados, la película nos cuenta la historia de Azur y Asmar, el uno blanco, rubio, y con los ojos azules, el otro, moreno y con los ojos oscuros, que nacen en tierras cercanas a un mismo mar, el Mediterráneo, y son criados como hermanos aunque uno sea el hijo de la nodriza y el otro del un noble señor castellano. Un día, de forma repentina son separados y al crecer se verán enfrentados. Azur, marcado por la leyenda del hada de los Djinns que le contaba su nodriza, partirá en su busca, Asmar, fascinado igualmente, también. En su busca recorrerán tierras maravillosas llenas de peligros y una y mil aventuras, aprendiendo, de paso, lo que significa la tolerancia y el respeto mutuo. Coproducida por Francia, Italia y España, y con música del ascendente Gabriel Yared, Azur et Asmar es la primera producción digital de Michel Ocelot, un virtuoso del cine de animación, experto sobre todo en la técnica de animación con siluetas (un digno descendiente de la mítica cineasta alemana Lotte Reiniger autora de entre otras obras maestras de la maravillosa "Las aventuras del Principe Achmed"), y autor de un gran número de cortometrajes de animación y de la anteriormente citada "Kirikou y la bruja" y de su secuela "Kirikou y las bestias salvajes" (recientemente estrenada en nuestro país) que en "Azur et Asmar" nos regala su más estilizada y brillante película. Su bellísima factura, la perfecta combinación de volúmenes y superficies planas, el detalle de unos elaboradísimos fondos, el uso del color, una interesante historia digna de "Las mil y una noches", que utiliza un planteamiento de cuento de hadas para hablarnos de la tolerancia entre los pueblos, el racismo, la ignorancia, la superstición, etc. y sobre todo su imaginativa propuesta visual, absolutamente a contracorriente en el cine de animación comercial, hacen de esta película una más que recomendable propuesta, no solo para niños si no para todo aquel que mantenga intacto su sentido de la maravilla.

miércoles, 12 de diciembre de 2007

"Deseando amar" de Wong Kar-Wai, el martes 18

El Cineclub presenta el martes 18 de diciembre a las 21 h en los Multicines Benavente "Deseando Amar"
Con ánimo de amar o Deseando amar (Fa yeung nin wa, título internacional en inglés In the mood for love) (花樣年華), Traducción literal: "La magnificencia de los años pasa como las flores") es una película del año 2000 escrita y dirigida por Wong Kar-wai e interpretada por Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai.
Sinopsis
Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai. Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo. Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos cónyuges están teniendo una relación amorosa.


Referencias
Dirige Wong Kar-Wai cuya filmografía está compuesta por las películas As tears go by (1988), Days of being wild (1991), Chungking express (1994), Ashes of time (1994), Fallen angels (1995) ,Happy together (1997) y 2048.
Está protagonizada por Maggie Cheung (La caja china, Supercop, As tears go by, Ashes of time) famosa por haber protagonizada numerosas películas de acción en su país y Tony Leung (Una bala en la cabeza, Cyclo, Chungking express, Happy together) premiado en el Festival de Cine de Cannes 2000.
La película precisó quince meses de rodaje y del metraje final el director consideró oportuno eliminar todas las escenas de amor de la pareja protagonista.
La censura china obligó a cambiar la localización de la película en Pekín por la de Hong Kong.
La estupenda fotografía es de Christopher Doyle (Liberty heights).
Una de las canciones está interpretada por Nat King Cole en castellano.
Consiguió el premio del cine europeo a la mejor película internacional y al equipo técnico en el Festival de Cine de Cannes 2000.


Premios


Mejor Actor, 2000 Festival de Cannes
César a la Mejor Película Extranjera, 2001
Screen International Award, 2000 Premios Europeos de Cine





Ficha técnica y artística



Fa yeung nin wa
Título 'Con ánimo de amar y Deseando amar'
Dirección Wong Kar-wai
Producción Wong Kar-wai
Guión Wong Kar-wai
Música Michael Galasso
Fotografía Christopher DoyleMark Li Ping-Bing
Reparto Tony Leung Chiu Wai Maggie Cheung Ping Lam Siu Tung Cho 'Joe' CheungRebecca PanKelly Lai ChenMan-Lei ChanRoy CheungHsien Yu
País Hong Kong
Año 2000
Género Drama
Duración 98 minutos





Métodos artísticos novedosos
Esta película emplea dos métodos artísticos novedosos. Uno es la utilización repetitiva de escenas parecidas y el otro es que ciertas secuencias, que parecen una sola, son realmente un conjunto de escenas de los numerosos encuentros que tienen los dos protagonistas de la película. Estas técnicas dan la impresión de que los dos portagonistas hacen lo mismo un día tras otro durante un largo periodo de tiempo. Sin embargo, prestando atención, los vestidos que lleva Maggie Cheung cambian en todas las secuencias. Obviamente estas escenas no son la misma editada una y otra vez sino que realmente son escenas distintas con diferentes maquillajes y vestidos.






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viernes, 7 de diciembre de 2007

"Dos en la carretera" de Stanley Donen, el martes 11




El Cine Club Fetiche de Benavente tiene el inmenso placer de presentarles una maravillosa película de Stanley Donen: "Dos en la Carretera" con Audrey Hepburn y Albert Finney. La proyección tendrá lugar el martes 11 de diciembre del 2007, a las 21h., en los Multicines Benavente. Esta pelicula forma parte del ciclo "Empresas de película" y está patrocinada por el Parador de Turismo de Benavente. (no he resistido la tentación de colocar las fotos de Audrey por doquier, discúlpenme)












— ¿Qué clase de personas son las que se pasan horas sin tener nada que decirse?


—Los matrimonios. (Diálogo entre Albert Finney y Audrey Hepburn en Dos en la carretera)

Ficha técnica y artística

Título: DOS EN LA CARRETERA
Título original: Two for the road
Dirección: Stanley Donen
País: El Reino Unido
Año: 1967
Duración: 111 min.
Género: Comedia dramática
Reparto: Eleanor Bron, Albert Finney, Audrey Hepburn, Jacqueline Bisset, William Daniels, Gabrielle Middleton, Claude Dauphin, Nadia Gray, Georges Descrières, Judy Cornwell, Irène Hilda, Dominique Joos
Guión: Frederic Raphael
Distribuidora: Twentieth Century-Fox
Productora: Stanley Donen Films
Dirección artística: Marc Frederic, Willy Holt











Fotografía: Christopher Challis
Montaje: Madeleine Gug, Richard Marden
Música: Henry Mancini
Productor: James H. Ware, Stanley Donen


Sinopsis
Una de las mejores comedias dramáticas de los años 60, dirigida por Stanley Donen, uno de los más grandes directores de esta época. Película rodada en escenarios naturales dentro de la ciudad de París y otras conocidas localidades como Niza o Saint-Tropez de la Costa Azul. Cuenta la historia de una joven pareja que se conoció en un viaje por Europa y de ello hace más de doce años. A través de flashbacks la película relata como se conocieron, como surgió el amor entre Mark (Albert Finney) y Joanna (Audrey Hepburn), la consolidación de la pareja con el nacimiento del hijo y el aburrimiento que provoca la rutina diaria.
Para rodar este clarificador retrato de la vida de una pareja a lo largo de doce años (rozando en ocasiones el género de la comedia y utilizando un montaje no lineal) el director de "Cantando bajo la lluvia" o "Siete novias para siete hermanos" tuvo que buscar financiación en Europa. Y eso a pesar de contar como pareja protagonista a una estrella de la talla de Andrey Hepburn (por aquel entonces bien conocida gracias al éxito de "Desayuno con diamantes", "My fair lady" o "Sabrina") y un actor de la talla de Albert Finney, protagonista de la gran triunfadora de los Oscar de 1964, "Tom Jones" de Tony Richardson.





Crítica

Después de una envidiable trayectoria en el mundo del musical donde dio a luz obras tan míticas como Un día en Nueva York (1949) o Cantando bajo la lluvia (1952), Stanley Donen sorprendió a los espectadores en la década de los 60 con dos películas policíacas, Charada (1963) y Arabesco (1966), que, pese a su adscripción meramente orientativa en un género cinematográfico distinto, seguían conservando la elegancia y la agilidad que ya habían caracterizado a su autor y que continuarían haciéndolo hasta su retiro artístico. En ellas podía apreciarse el habitual buen gusto de Donen por la comedia romántica y sofisticada y, al mismo tiempo, la evolución de su cine hacia nuevos derroteros que no descartaban el homenaje a otros realizadores (como, por ejemplo, Alfred Hitchcock). Este par de films contribuyeron a ampliar la visión que actualmente tenemos de su carrera marcando un antes y un después. El punto álgido de dicha evolución fue Dos en la carretera (1967), un lúcido retrato del matrimonio que surgió de la colaboración de este cineasta con el guionista Frederic Raphael (Eyes Wide Shut).
El film parte de una estructura narrativa basada en continuos saltos en el tiempo y construye su discurso a través de la interrelación entre cuatro épocas distintas de la vida de una pareja. Durante el transcurso de un viaje, Mark (Albert Finney) y Joanna Wallace (Audrey Hepburn) reflexionan sobre los diferentes momentos que ha atravesado su relación desde que se conocieron cuando eran jóvenes hasta el momento presente en que el matrimonio se ha convertido para ellos en un lastre que arrastran día tras día. La pasión inicial ha desaparecido y el paso del tiempo ha ido desgastando los sentimientos mutuos y las ilusiones de ambos. Se ha producido un ascenso en el status social de la pareja paralelo a la crisis conyugal en que han desembocado, factor que aporta una visión crítica acerca de lo independientes que resultan el bienestar económico y los sentimientos personales en las relaciones humanas. Cada etapa de su vida está mostrada por medio de cambios externos (con el tiempo, los Wallace hacen gala de un mayor nivel adquisitivo) y también internos (de carácter más personal e íntimo). El distanciamiento de la pareja da lugar a infidelidades que posteriormente tratan de solucionar para pasar a preguntarse al cabo de poco tiempo por qué no decidieron divorciarse entonces en lugar de prolongar lo inevitable..
Donen compone un mosaico de escenas alternando momentos correspondientes a los cuatro distintos periodos que atraviesa la pareja. Por medio del montaje paralelo estos periodos se van aproximando hasta concretarse en conceptos tan paradigmáticos como la erosión inexorable del amor y la descomposición de la pareja, la pérdida de las ilusiones y el distanciamiento emocional.
Paradójicamente el tratamiento que Donen proporciona a la historia nos la hace más cercana y menos distante para el espectador que los fríos análisis matrimoniales rodados por Bergman (Secretos de un matrimonio), Rossellini (Viaggio in Italia) o Antonioni (La noche). De hecho, Dos en la carretera es una película con un fuerte componente nostálgico. Las relaciones de la pareja son vistas desde una perspectiva melancólica, recurriendo continuamente al flash back para mostrarnos cómo eran éstas inicialmente con el propósito de contrastarlas, acto seguido, con la separación que se ha establecido en el presente entre una persona y otra. De este modo, el espectador se conmueve y se lamenta a la vez contemplando el carácter efímero de la pasión humana y los giros que ésta es capaz de dar.
Por medio de vínculos gráficos asociativos, Donen introduce los saltos en el tiempo a través de detalles del pasado que varían substancialmente de significado en el presente y viceversa, hecho que el espectador capta como síntoma de una pérdida afectiva importante debida al transcurso del tiempo. Las escenas correspondientes a cada distinto ciclo de la pareja están muy elaboradas, con el objetivo de dejar una constancia patente de que los años han pasado dejando una impronta terrible entre el hoy y el ayer. El peinado y el vestuario de los dos protagonistas, así como los diferentes coches que se compran —en relación con el próspero status económico que van adquiriendo— nos transmiten con gran credibilidad el cambio que se ha producido entre las diferentes épocas del matrimonio de Mark y Joanna. Todo ello narrado con la estructura de una road movie, pues las cuatro etapas que vemos atravesar a esta pareja se corresponden con cuatro viajes distintos que realizan por Europa. Por otra parte, hemos hablado de Dos en la carretera como de un análisis lúcido de la institución matrimonial y las inestabilidades a las que dicha institución se ve sujeta. Por lo tanto, a la hora de ver la película lo que presenciamos es el paulatino proceso de desintegración de una pareja con todo lujo de detalles: los reproches mutuos, las actitudes egoístas, la insatisfacción propia del carácter impersonal que llegan a adquirir las relaciones sexuales, las separaciones y las reconciliaciones, la frialdad en el trato, el cinismo... Donen y Raphael siembran esta historia de elementos muy realistas que son propios de los problemas conyugales que pueden darse en los matrimonios. Y todo ello expuesto con una gran sensibilidad y una enorme capacidad de convicción dentro de un relato que, no por fragmentario, resulta menos fluido.
Dos en la carretera es una auténtica bomba de relojería en su concepción interna. La labor de guión, puesta en escena y montaje es tan brillante y está tan bien compenetrada que el resultado se beneficia de una gran solidez. La sensible partitura de Henry Mancini y las extraordinarias interpretaciones de Audrey Hepburn y Albert Finney no hacen más que confirmar el hecho de que el film se haya convertido, a estas alturas, en una de las películas más importantes de su autor y, a nivel de contenidos, en una pieza muy recomendable para analizar la influencia del paso del tiempo en la vida matrimonial.
Dos años después, Stanley Donen trataría de introducirse nuevamente en las intimidades de una pareja con La escalera (1969), en la que Rex Harrison y Richard Burton interpretaban a una pareja de homosexuales, pero esta vez el resultado no estuvo a la altura de su precedente. Pues, a pesar de que su punto de vista pueda resultar un tanto cruento, Dos en la carretera se ha convertido con pleno derecho en una hermosa obra maestra a reivindicar. (Carlos Giménez Soria http://www.eldigoras.com/)


























Stanley Donen
Stanley Donen (nacido el 13 de abril de 1924) es un coreógrafo, bailarín y Director de cine estadounidense. Aunque comenzó su carrera como bailarín, se dio a conocer en los teatros de Broadway, y en 1943 fue llamado a Hollywood por iniciativa de su amigo Gene Kelly. Bailarín y coreógrafo en los estudios de la productora MGM, realizó como codirector, junto a G. Kelly, Un día en Nueva York (1949) y Cantando bajo la lluvia (1952), que obtuvo un gran éxito y se ha convertido en un clásico del Cine musical, además de otras comedias musicales, entre las que se encuentran Tres chicas con suerte (1953), Siete novias para siete hermanos (1954) y Una cara con ángel (1957). Más tarde se orientó hacia la comedia pura, donde mostró su elegancia y su talento en la dirección de actores famosos: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).
Filmografía parcial
Un día en Nueva York (On the Town, 1949)
Rendirse al amor, (Love is better than ever, 1951)
Bodas reales (Royal Wedding, 1951)
Cantando bajo la lluvia (Singin'in the rain, 1952)
Fearless Fagan, 1952
Tres chicas con suerte (Give a Girl break, 1953)
Siete novias para siete hermanos (Seven brides for seven brothers, 1954)
Deep in my heart, 1954
Siempre hace buen tiempo (It's always fair weather, 1954)
Bésalas por mí (Kiss them for me, 1957)
El juego del pijama (The Pajama game, 1957)
Una cara con ángel (Funny Face, 1957)
Damn Yankees!, 1957
Indiscreta (Indiscreet, 1958)
Volverás a mí (Once more, with feeling!, 1960)
Página en blanco (Grass is greener, 1960)
Una rubia para un gángster (Surprise package, 1960)
Charada (Charade, 1963)
Arabesco (Arabesque, 1966)
Dos en la carretera (Two on the road, 1967)
Bedazzled, 1967
La escalera (Staircase, 1969)
El pequeño príncipe (The little prince, 1974)
Los aventureros de Lucky Lady (Lucky Lady, 1975)
Movie movie, 1978
Saturno-3, 1979
Lío en Río (Blame it on Río, 1984)
Cartas de amor (Love letters, 1999)










Y ¿quieren saber una de las razones por las que nuestro Cine-Club se denomina Fetiche?

miércoles, 5 de diciembre de 2007

El sexo y el cine según Alfonso XIII


El origen del cine pornográfico español

Las primeras referencias al cine pornográfico en España la constituyen una serie de películas de los años 20 rodadas en Barcelona por encargo del Conde de Romanones, que actuaba en nombre del rey Alfonso XIII, un gran aficionado al género y al erotismo en general, según cuenta el investigador Román Gubern. Recientemente la Generalidad Valenciana ha restaurado tres cortometrajes porno de los años 20: El confesor, El ministro y Consultorio de señoras, encargados por Romanones a los hermanos Ricardo y Ramón Baños, dueños de la productora barcelonesa Royal Films.












Entrevista con Roman Gubern
Raquel Garzón Clarín
El revisionismo histórico está sacudiéndole el polvo y las carnes al cine español. En esta entrevista, el escritor catalán Román Gubern, de visita en Madrid, habla de la "siempre conocida y cuidadosamente silenciada" debilidad del rey Alfonso XIII (1886-1931) por el cine porno, en la España clerical y conservadora de comienzos del siglo XX. Gubern, nacido en Barcelona en 1934, es presidente de la Asociación Española de Historiadores de Cine. Autor, entre otros libros, de Historia del cine (1969) y El eros electrónico (2000), afirma que el abuelo de Juan Carlos I no sólo consumía pornografía regularmente, sino que también "sugería algunos argumentos de películas".
—¿Existió la Royal Films o es un mito de cine club?
—(Se ríe) Por supuesto que existió, y además, el nombre fue elegido intencionadamente: se trataba de la productora de cine que abastecía de películas pornográficas a la Casa Real, en concreto a Alfonso XIII, conocido cinéfilo y rey galante. La fundaron en 1915 dos hermanos, Ricardo y Ramón Baños y su sede estuvo en Barcelona, que fue centro del mundillo cinematográfico español en la década del 20. Luego, claro, todo se trasladó a Madrid.
—¿Qué pasó con esas películas?
—Muchas de ellas se perdieron, otras fueron destruidas. El franquismo en particular no veía con buenos ojos que circulara la imagen de un Rey consumidor de cine porno. Pero algunas están siendo recuperadas por la Filmoteca de Valencia, que ha iniciado la restauración de ese material fílmico. Todo está perfectamente documentado y se sabe que Alfonso XIII no sólo pagaba por ellas, sino que a veces, sugería algunos argumentos de películas para que los productores los desarrollaran.
—¿Cuál era la actitud hacia la pornografía en la España de entonces?
—Pacata, debido básicamente a la influencia de la Iglesia, pero en todo caso, un lujo de clase alta. Todo lo vinculado al porno —grabados, estampas, películas— era muy caro en esa época. Por entonces, en Gran Bretaña, era incluso de buen tono que un hombre consumiera pornografía porque era índice de refinamiento. El porno sólo pasa a ser de mal gusto cuando se populariza, cuando puede consumirlo todo el mundo.
—¿Hay alguna otra prueba de esa "debilidad" del Rey?
— Sí, algunos testimonios. Voy a contarle una anécdota. A fines de los años 20 llega a España Anita Loos, una famosa guionista del cine de Hollywood, que había saltado a la fama en 1925 por su obra Los caballeros las prefieren rubias. Alfonso XIII, que también tenía debilidad por los artistas, la invita a tomar el té en el palacio. Empiezan a conversar y el rey le pregunta por un cómico, Fatty Arbuckle, junto con Buster Keaton una de las estrellas del cine mudo estadounidense.
—¿No fue Arbuckle aquel cómico que se arruinó en un escándalo sexual?
—Sí: en 1921 participó de una orgía, muy comunes en el Hollywood de esa época, y aparentemente violó con una botella de champán a Virginia Rappe, una starlet que murió dos días después. Arbuckle fue exonerado, pero el escándalo terminó con su carrera en Hollywood. Loos le cuenta al Rey todo esto y Alfonso XIII le contesta: "Qué mala suerte, si esto le puede pasar a cualquiera". Este comentario, incluido por Loos en sus memorias (Adiós a Hollywood con un beso), dice mucho de la vida privada del Rey y de su idea del sexo. Nada de esto figura en la edición española, que fue muy expurgada. Como ve, hay temas que aún siguen siendo tabú en la enorme maquinaria editorial española,
Publicado por el diario "Clarín", Revista "Ñ", Buenos Aires
Les ofrecemos un iconoclasta fragmento de "El confesor"

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