viernes, 25 de mayo de 2007

"Después de la boda" de Susanne Bier, el martes 29 de mayo a las 21 h en los multicines Benavente
















El Cineclub Fetiche se complace en presentarles una película de Susanne Bier. Nos vemos en el cine.
Sinopsis
Jacob (Mads Mikkelsen) ha dedicado su vida a ayudar a los niños de la calle en India, pero el orfanato que dirige está a punto de cerrar por falta de fondos. De pronto, recibe una oferta inesperada. Un hombre de negocios danés, Jorgen (Rolf Lassgard), está dispuesto a donar 4 millones de dólares siempre y cuando Jacob cumpla con ciertos requisitos. En primer lugar debe ir a Dinamarca y en segundo lugar, debe ir a la boda de la hija de Jorgen. La boda se convierte en un encuentro entre el pasado y el futuro, enfrentando a Jacob al mayor dilema de su vida. DESPUÉS DE LA BODA es una película que habla de secretos, de cómo se puede vivir con alguien, querer a esa persona, ser parte de una familia... y seguir escondiendo verdades muy importantes a las personas a las que se ama sin sentir la más mínima vergüenza. Susanne Bier (Directora)

Susanne Bier desarrolló el guión con el guionista y realizador Anders Thomas Jensen como una extensión natural de sus dos aclamadas y premiadas películas anteriores, Te quiero para siempre y Brodre/Hermanos. La película se rodó en Dinamarca y en Bombay


Reparto

MADS MIKKELSEN (Jacobs) Se dio a conocer en Dinamarca gracias a su papel en la película Pusher/Un paseo por el abismo (1996), de Nicolas Winding Refn. Desde entonces ha trabajado en Blinkende Lygter (2000), de Anders Thomas Jensen; Monas verden (2001); Te quiero para siempre (2002); Torremolinos 73 (2003); El rey Arturo (2004) y en la última entrega de James Bond, Casino Royale. D

ROLF LASSGARD (Jorgen) Es un actor sueco que se hizo muy popular por interpretar al personaje de Gunvald Larsson en las adaptaciones de Sjowall-Wahloo para la pequeña pantalla, y al inspector Kurt Wallander en la adaptación de Pelle Berglund de las novelas de detectives de Henning Mankell. Tiene en su haber numerosas películas entre las que destacaremos Sant ar livet (1996), Under the Sun (1998), y Magnetisorens femte vinter (1999).

SIDSE BABETT KNUDSEN (Helene) Estudió en París. Empezó a cobrar importancia en el teatro y cine danés a principios de los noventa. Entre sus papeles para la gran pantalla, mencionaremos Let’s Get Lost (1997), Mifune (1999), El amor de mi vida (1999), Monas verden (2001), Villa Paranoia (2004), y Fakiren fra Bilbao (2004). Ha trabajado en los principales teatros de Dinamarca



FICHA TÉCNICA
Directora SUSANNE BIER
Guionista ANDERS THOMAS JENSEN
Basada en una historia de SUSANNE BIER y ANDERS THOMAS JENSEN
Productora SISSE GRAUM JORGENSEN
Director de fotografía MORTEN SOBORG,
Montaje PERNILLE BECH CHRISTENSEN y MORTEN HOJBJERG
Música JOHAN SODERQVIST
Dirección artística SOREN SKJAER
Vestuario MANON RASMUSSEN
Maquillaje CHARLOTTE LAUSTEN
Sonido EDDIE SIMONSEN y KRISTIAN EIDNES ANDERSEN Directora de producción KAREN BENTZON
Productores ejecutivos PETER AALBAEK JENSEN, PETER GARDE y ZENTROPA ENTERTAINMENTS 16 En coproducción con After The Wedding ltd/Sigma Films III ltd, con la cooperación de R (televisión danesa), SVT (televisión sueca), con el apoyo del Instituto Danés de Cine y Nordic Film-& TV Fund. Dinamarca - 2006 - 122 minutos - Color - 35mm - Idioma Danés Título original Efter Bryllupet - After the wedding

FICHA ARTÍSTICA


Jacob MADS MIKKELSEN
Jorgen ROLF LASSGARD
Helene SIDSE BABETT KNUDSEN Anna STINE FISCHER CHRISTENSEN
Christian CHRISTIAN TAFDRUP Martin FREDERIK GULLITS ERNST
Morten KRISTIAN GULLITS ERNST
Annette IDA DWINGER
Abuela MONA MALM
Mille NEEL RONHOLT
Secretaria ANNE FLETTING
Chófer HENRIK LARSEN

LA PRENSA HA DICHO

La realizadora quiere controlar las emociones del público y lo consigue. Jyllands – Posten

Es su mejor película hasta la fecha, Susanne Bier demuestra que la experiencia le ha dado más seguridad y más atrevimiento a la hora de construir sus películas tal como a ella le gusta. El relato le deja a uno dolorido, emocionado y muy satisfecho. Berlingske Tidende

Susanne Bier, que mejora con cada película, no juega con nuestras emociones, sino que comunica directamente con ellas. Es una película profundamente conmovedora, en la que nunca nos sentimos manipulados. Ekstra Bladet

Gracias a un guión bien construido, una dirección muy buena y actores excelentes, la nueva película de la realizadora danesa Susanne Bier consigue ser emotiva y atractiva. Variety

sábado, 19 de mayo de 2007

"TRISTRAM SHANDY: a cock & bull story" Una película de Michael Winterbottom, el Martes 22 de mayo en los Multicines Benavente. Cine-club Fetiche



El Cine-club Fetiche se complace en presentarles una película de Winterbottom. Salud y cine. Allí nos vemos, el martes a las 21 h.

Sinopsis:

"Tristram Shandy: A Cock and Bull Story" es una ingeniosa e imaginativa adaptación de la novela clásica del siglo XVIII "Vida y opiniones del caballero Trsitam Shandy", de Laurence Sterne. Una conocida aunque no muy leída obra maestra que es un ejercicio irreverente que juega con las convenciones y las técnicas de la novela. Michael Winterbottom multiplica la habilidad de Sterne para contar dos historias a la vez: una sobre un caballero inglés del siglo XVIII, Tristram Shandy, y la de los desventurados cineastas que intentan en el siglo XXI adaptar la inadaptable novela en la que se basa esta película. La película se pasea por un set de rodaje moderno, repleto de actores inseguros, reporteros ansiosos de escándalos e inversores escépticos. Mientras sigue las aventuras de dos familias, una de sangre y otra profesional, la película nos hace partícipes de las calamidades, las crisis y los coqueteos que han trascendido durante siglos.
Título: TRISTRAM SHANDY: A COCK AND BULL STORY
Género: Comedia
Título Original:A Cock and Bull Story
Nacionalidad: Reino Unido
Director: Michael Winterbottom
Año de Producción: 2005
Duración: 95 min.
Idioma: Inglés
Estreno: 23/03/2007






Ficha Técnica:
Director: MICHAEL WINTERBOTTOM





Guión: MARTIN HARDY Sobre la novela de Laurence Sterne





Productor: ANDREW EATON





Director de fotografía: MARCEL ZYSKIND
Directora de arte: EMMA McDEVITT
Montaje: PETER CHRISTELIS
Ficha Artística:
Tristram Shandy/Walter Shandy: STEVE COOGAN
Toby Shandy: ROB BRYDON


Elizabeth Shandy: KEELEY HAWES
Dr. Slop: DYLAN MORAN


Mark: JEREMY NORTHAM
Padre Yorick: STEPHEN FRY
Viuda Wadman: GILLIAN ANDERSON










SOBRE LA PRODUCCIÓN
"Vida y opiniones del caballero Tristram Shandy" fue escrito por Laurence Sterne, un pastor del siglo XVIII que vivía en Yorkshire. Publicada en nueve volúmenes entre 1759 y 1767, la novela fue un éxito inmediato. Amado por su humor subido de tono y su sátira además de por las excentricidades narrativas, el libro hizo que Sterne se convirtiera en una celebridad admirada en Londres y París.
Narrado por el personaje que da título al libro, la novela es una autobiografía. Sin embargo, la cronología es puesta en suspenso rápidamente para dar paso a un discurso sobre su nacimiento. Las reflexiones se siguen unas a otras, y se superponen, incluyendo historias dentro de historias alrededor de los peculiares personajes que viven en y alrededor de la hacienda de la familia, Shandy Hall en Yorkshire. Está el educado Walter Shandy, cuyos elevados planes para su hijo se ven continuamente desbaratados; el adorable y cándido hermano de Steve, el Tío Toby, todavía obsesionado con la guerra en la que recibió misteriosas heridas, de las que nunca se habla, en sus partes íntimas; y el doctor Slop, cuyo trato al paciente no es todo lo atento que debería ser. Al final, la biografía de Tristram es incapaz de pasar del nacimiento, mientras descubre que la vida simplemente es demasiado complicada como para ser contada de manera lineal.
Revoltoso e irreverente, Tristram Shandy, el libro, es pionero en estructura y forma, y anticipa la experimentación en las novelas modernas, desde el "Ulises" de Joyce hasta autores más recientes como Dave Eggers. Tristram se dirige a menudo al lector, discutiendo las prerrogativas que le corresponden como autor de la historia y defendiendo sus excursiones narrativas. También hay efectos visuales, como una página negra a la muerte de un personaje, una cruz cuando el doctor Slop se santigua, y las páginas en blanco que representan pasajes que se han arrancado. Y Tristram, quien escribe sobre eventos de los que no puede haber sido testigo, dado que aún no había nacido, es de algún modo un narrador en el que no podemos confiar.
Tristram Shandy es un título básico en el temario universitario, y fue en la universidad donde tanto Michael Winterbottom como su colaborador habitual, el escritor Frank Cottrell Boyce, se encontraron con el libro por primera vez. En un punto, consideraron adaptar el libro para televisión, como culebrón o como comedia de situación. Hace tres años, sin embargo, Winterbottom decidió intentar una adaptación para la gran pantalla. Era un proyecto complicado. Por la cantidad de divagaciones y un personaje principal que no es muy sensible que digamos, la novela siempre se ha considerado como imposible de llevar al cine. ¿Por que intentarlo entonces? "Porque es divertido", contestó Winterbottom.
No obstante, cuando Cottrel Boyce se lanzó a escribir la adaptación, su guión solo alcanzó las treinta páginas. "Ese era todo el argumento que había en 500 páginas", se maravilla el productor Eaton. La falta de material abrió el camino para dar otro enfoque a la adaptación, y Winterbottom decidió darle un enfoque moderno: "La mayoría del libro es sobre el proceso de escribir un libro, y la única manera de reflejar eso de una manera actual era hacer una película sobre hacer una película."
Al mismo tiempo, el director se dio cuenta de que el núcleo emocional de la película y el libro recaía en el mismo punto: los personajes. "Tristram Shandy es un libro sobre contar una historia, y Sterne se divierte mucho con eso. Pero bajo todo eso, las digresiones y las complejidades superficiales, es simplemente una loca aunque reconfortante historia sobre un puñado de gente viviendo en una casa y comportándose de forma extraña e idiota a su manera. Algo que pensé que se podía aplicar perfectamente a un set de rodaje."
La parte de época de la película se centra en el argumento básico del libro: la historia familiar de Walter Shandy, el nacimiento, el error al ponerle el nombre y la circuncisión accidental de su hijo Tristram. Walter, un hombre que cree en los detalles, le ha dado vueltas a cada una de las facetas de la existencia de su hijo, incluyendo el tipo de nariz que debería tener y las circunstancias de su nacimiento que deberían incluir los métodos médicos más modernos. Pero mientras Walter delibera y planea, la vida toma su propio y sinuoso camino.
"Es sorprendentemente moderna y universal", comenta Winterbottom. "Walter fue el primer "nuevo" hombre: obsesionado con su chico, intentando involucrarse, ser un buen padre y crear un entorno perfecto para su hijo. Y entonces todo se tuerce. Es algo que todos podemos reconocer."
Los protagonistas
Liderando el reparto en las dos partes de la película encontramos a Steve Coogan, quien interpreta a Tristram, a su padre y a una versión ficticia de sí mismo. Coogan saltó a la fama en Inglaterra a principios de los 90 con su personaje Alan Partridge, un presentador de televisión que mezclaba invitados populares en los programas de televisión "Knowing me, Knowing you with Alan Portridge" y "I'm Alan Portridge".
Coogan, que aceptó el papel de Tristram Shandy antes incluso de que el guión estuviera acabado, trabajó por primera vez con Winterbottom cuando interpretó al empresario Tony Wilson en la aclamada "24 Hour Party People". Esa película también difuminaba la línea entre la realidad y la ficción, y Coogan ocasionalmente se dirigía al público. Con su segunda colaboración, el propio perfil público de Coogan se convertiría en material para construir su personaje en el cine. El ficticio Coogan de Tristram Shandy pasa mucho de su tiempo obsesionado por el tiempo que aparecerá en pantalla, y está obviamente cansado de la sombra que proyecta el personaje de Alan Partridge. Está menos que atento a su novia que le visita, interpretada por Kelly McDonald, y alberga la idea de tener una aventura con la guapa ayudante de producción, Jeannie (Naomie Harries).
"Steve fue muy receptivo a la idea de interpretar un versión negativa de sí mismo, y es una de las razones por las que es tan bueno trabajar con él. Me gusta la idea de no hacer parecer a la gente mejores de lo que son. Todos tenemos cosas buenas y malas. En nuestra película, ves a Steve Coogan hacer cosas que no debería hacer, pero aún así lo entiendes y te sigue cayendo bien".
"A menudo el mejor material para una película es la realidad", concede Coogan. "Para aquellos que me conocen puede ser un poco incómodo, pero para la gente que no sabe lo que es verdad y lo que no, funciona. En América no les importa quien es Steve Coogan, pero la imagen de actor inseguro haciendo cosas que no debería, funciona".
Rob Brydon, que también aparece en "24 Hour Party People", fue el siguiente en unirse al reparto. Cuando Winterbottom y Eaton estaban desarrollando el proyecto como serie, hicieron un acercamiento para que interpretara a Tristram y Walter Shandy. Según WInterbottom: "Era una buena idea, pero él nunca se puso a leer el libro y nosotros nunca nos pusimos a escribir el guión. Entonces cuando nos pusimos a buscar actores supimos que Rob sería un perfecto Tío Toby".
Coogan y Brydon han tenido también una larga relación profesional y personal, Coogan ha sido como un mentor para Brydon, quien empezó su carrera haciendo voces en off en radio y televisión. Cuando Brydon le envió a Coogan su primera cinta con grabaciones, en la que interpretaba a un chófer divorciado y consultor matrimonial de estrellas, éste llevó la cinta a la BBC. La productora de Coogan, Baby Cow, produjo a continuación el éxito televisivo de Brydon "Marion and Geoff".
"Siempre bromeo con que descubrí a Rob, y bien, de hecho lo hice. Pero creció por derecho propio muy rápidamente, y pronto se sintió cómodo conmigo y empezó a aceptar las bromas de manera afectuosa".
Coogan y Brydon aportan dinamismo a la parte moderna de la película. Han construido una relación inteligente y a la vez combativa entre sus personajes ficticios: dos co-protagonistas peleando por la atención de las cámaras, por tener el mejor vestuario, más diálogo, mejores chistes, etc. "Trabajar con Michael nos permitió ser creativos, lo que significa que en conversaciones normales fuera del rodaje encontrábamos constantemente material nuevo y lo encajábamos en la película. Steve y yo tenemos un sentido del humor parecido, un poco crudo, pero cercano a la realidad. Fue divertido jugar con esas tensiones que no son aparentes, pero que están ahí".
El rodaje
"Tristram Shandy: A Cock and Bull Story" comenzó el proceso de producción en Octubre de 2004. Se rodó en Norfolk, Northamptonshire y en East Midlands. Tres mansiones se utilizaron para recrear Shandy Hall, incluida la casa del mismo nombre donde se escribió la novela.
Al mostrar el caos de la narración, los directores dejaron espacio para la improvisación. Así, cuando el periodista del New York Times Stephen Rodrick fue a entrevistar a Winterbottom sobre su película "9 Songs", acabó participando en la segunda mitad de la película. Realidad y ficción chocaron ocasionalmente durante la producción, y no fue siempre fácil separar una de otra. En un momento dado, un equipo del programa de televisión británica "The South Bank Show" estaba haciendo un documental sobre el rodaje, con lo que había un equipo de rodaje de verdad, filmando a otro, también de verdad, que a su vez filmaba a otro equipo de rodaje ficticio (el de la película).
"Hubo un par de días que tenía que esforzarme para saber que cámaras eran de verdad y cuales no", admite Dylan Moran. "Todo el mundo estaba metido como en un espejo, actores que eran actores haciendo de equipo de rodaje y filmados por otro equipo a la vez, como una casa de los espejos".
"Tristram Shandy: A Cock and Bull Story" no tiene reparos en mostrar un set de cine como si fuera un circo. Aunque este retrato se ha hecho con cariño, como dice Northam: "Como actor solo puedo decir que el plató de cine es mi lugar favorito del mundo. La gente normalmente tiene una extraña concepción de cómo es un lugar así: los productores sólo se preocupan del dinero, los actores sólo se preocupan de cuánto van a aparecer en la película, etc...Es divertido sacarle punta a todo esto, y lo bueno es que Michael lo ha hecho sin ser cínico, con una sonrisa."

SOBRE LOS REALIZADORES: MICHAEL WINTERBOTTOM (DIRECTOR) Y ANDREW EATON (PRODUCTOR)
Michael Winterbottom y Andrew Eaton son socios en Revolution Films, compañía que montaron en 1994. Colaboraron por primera vez como director y productor en la serie de televisión "Family" para la BBC. La serie ha sido premiada más de una docena de veces, incluyendo dos premios de la Academia Británica. En 1995 Revolution Films produjo "Go Now" para BBC Films, dirigida por Michael Winterbottom, producida por Andrew Eaton y protagonizada por Robert Carlyle. La película se estrenó en el Festival de Cine de Edimburgo antes de ir a Venecia y Toronto y ser premiada en Berlín y por la Academia Británica.
"Jude" fue la segunda película de la productora Revolution, una adaptación de la polémica novela de Thomas Hardy "Jude the Obscure", dirigida por Winterbottom y protagonizada por Kate Winslett. "Jude" se estrenó en Cannes y fue premiada en el Festival de Edimburgo y fue la mejor película en el Dinard Festival. Tras el éxito de "Jude", Revolution firmó un acuerdo con Polygram para la distribución de sus siguientes cuatro películas, empezando por "The James Gang", dirigida por Mike Barker, y producida por Eaton. Después vinieron "Resurrection Man" y "I want you".
En 1999, Winterbottom y Eaton trabajaron en dos películas, la comedia romántica "Contigo o Sin Ti", y "Wonderland" con Gina McKee e Ian Hart. "Wonderland" compitió en Cannes, fue la mejor película en el British Independent Film Awards y fue nominada a mejor película por la Academia Británica. En 2001 rodaron "El Perdón", basada en la novela de Thomas Hardy "The Mayor of Casterbridge", ambientada durante la fiebre del oro en California. Con Wes Bentley y Milla Jovovich, la película fue seleccionada para entrar en competición en los festivales de Berlín y París.
En abril de 2002 se estrenó "24 Hour Party People" en el Reino Unido. Escrita por Frank Cottrell Boyce, la película sigue las huellas del nacimiento de Factory Records y de Tony Wilson, su fundador, en el Manchester de los 80, y del auge de bandas tan influyentes como The Happy Mondays y New Order. En 2003, se estrenó "In This World", una road movie que sigue el peligroso viaje de dos jóvenes afganos desde Pakistán a Londres para empezar una nueva vida. La película fue controvertida y plantea el tema de los refugiados y su situación, intentando llevar el debate a la opinión pública. Fue nominada a mejor película, mejor director y mejor director de fotografía en los European Film Awards. También fue premiada en los British Film Awards por mejor película en lengua no inglesa. Winterbottom e Eaton también han sido productores ejecutivos en otros proyectos de Revolution como "Heartlands", "East is East", o la primera película como direct

martes, 15 de mayo de 2007

EL AYUNTAMIENTO COLABORARÁ CON CINE CLUB FETICHE



EL AYUNTAMIENTO COLABORARÁ CON CINE CLUB FETICHE

El Ayuntamiento de Benavente colaborará económicamente con Cine Club Fetiche durante este presente año, con una cantidad de medio millón de pesetas (3.000 euros). Durante la mañana del 11 de mayo se firmó el acuerdo entre ambas partes, el alcalde Manuel Guerra por un lado y en representación del Cine Club la presidenta Ana María Brel Cachón.

Este convenio tiene un año de duración, prolongándose hasta el 11 de mayo del año que viene.

Todos los presentes se mostraron muy contentos por el acuerdo. Ana María señalo que este convenio permitirá que el Cine Club siga desarrollando sus metas y al mismo tiempo mantener los precios tan económicos que desde la Asociación se ofertan.

El deseo de la concejala de cultura, Ruth Ramos, es que sus sucesores en el cargo sigan firmando estos convenios con Cine Club Fetiche, ya que esta asociación es necesaria en la ciudad.

Manuel Guerra añadió que esta Asociación cultural era muy importante como objeto cultural y que defendía valores cívicos.

Desde el Ayuntamiento se aprovechó la ocasión para felicitar a los promotores del Cine Club y agradecer su participación en la vida cultural de la ciudad.

Esta aportación económica no es la primera que ha realizado la Institución. Ha participado en los dos ciclos de cine ya proyectados con dos concejalías diferentes: la de Juventud y de Asuntos Sociales, con “Juventud y cine” e “Inmigración y cine” respectivamente.

viernes, 11 de mayo de 2007

MANHATTAN de Woody Allen, Martes 15 de mayo





Manhattan 1979
El cineclub Fetiche de Benavente se complace en presentarles una genialidad de Woody Allen. El Martes 15 de Mayo a las 21 h en los Multicines Benavente. Un cordialísimo saludo a todos y todas y... nos vemos en el cine.
Ficha artística y sinopsis

Dirección: Woody Allen Guión: Woody Allen Intérpretes: Woody Allen, Diane Keaton, Meryl Streep, Mariel Hemingway. 2 nominaciones al Oscar: guión y actriz secundaria (Mariel Hemingway)
El cuarentón Isaac Davis acaba de divorciarse de su segunda esposa, que se ha ido a vivir con otra mujer. Ingenioso y divertido, es una figura televisiva, pertenece a la élite de los intelectuales neoyorquinos y tiene como amante a una adolescente de 17 años, pero teme que la diferencia de edad arruine la relación. Además, se enamora de una peculiar periodista que a su vez es la amante de su mejor amigo.Filmada en blanco y negro, ha sido considerada como la mejor película de los 70.
Premios
Manhattan (1979)


Academy Awards (USA)


Nominated to the Oscar, jointly with Marshall Brickman, for the Best Writing, Screenplay Written Directly for the Screen. (awards and nominations to other than Allen) Mariel Hemingway was nominated to the Oscar for being the Best Actress in a Supporting Role.


Bodil Awards (Danmark)


Won the Bodil Awards for being the Best American Film. (in danish: Bedste amerikanske film)


British Academy Awards (Britain)


Won the BAFTA Film Awards for being the Best Film. Won the BAFTA Film Awards for being the Best Director. Won the BAFTA Film Awards, jointly with Marshall Brickman, for the Best Screenplay. Nominated BAFTA Film Award for being the Best Actor.(awards and nominations to other than Allen) Diane Keaton won the BAFTA Film Award for being the Best Actress. Gordon Willis won the BAFTA Film Award for the Best Cinematography. Susan E. Morse won the BAFTA Film Award for the Best Editing. Jack Higgins (III), James Sabat and Dan Sable won the BAFTA Film Award for the Best Sound. Mariel Hemingway and Meryl Streep won the BAFTA Film Award for being the Best Supporting Actress.


César Awards (France) Won the César for being the Best Foreign Film. (in french: Meilleur film étranger)


Golden Globe (USA) ominated for the Golden Globe Awards for being the Best Motion Picture - Drama.Italian


National Syndicate of Film Journalists (Italia) Won the Silver Ribbon for being the Best Director - Foreign films. (in italian: Regista del Miglior Film Straniero)


Los Angeles Film Critics Association Awards (USA) Meryl Streep won the LAFCA Award for being the Best Supporting Actress.


National Board of Review (USA) Won the NBR Award for being the Best Picture - English Language.(awards and nominations to other than Allen) Meryl Streep won the NBR Award for being the Best Supporting Actress.


National Society of Film Critics Awards (USA) Won the NSFC Award for being the Best Director (tied with Robert Benton, Kramer vs. Kramer). (awards and nominations to other than Allen) Meryl Streep won the NSFC Award for being the Best Supporting Actress.


New York Film Critics Circle Awards (USA) Won the NYFCC Award for being the Best Director.


Writers Guild of America (USA) Nominated to the WGA Screen Award, jointly with Marshall Brickman, for the Best Comedy Written Directly for the Screen.


Young Artist Awards (USA) (awards and nominations to other than Allen) Mariel Hemingway was nominated to the Young Artist Award for being the Best Juvenile Actress in a Motion Picture.



Biografía
Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, en Nueva York con el nombre de Allan Stewart Konigsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Proviene de una familia judía, a la que el propio Allen define como "burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa". Durante su infancia aprendió a tocar el violín, posteriormente se convertiría en intérprete del clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con una banda de jazz, The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde en la creación de las bandas sonoras de sus películas.
Hasta 1997 esta actividad de intérprete musical tuvo lugar en el Michael's Pub de Nueva York, pero al cerrar este local sus puertas en ese año, pasó a tocar cada lunes en el Café Carlyle, en el hotel del mismo nombre, en donde sólo falta los días en que su actividad como cineasta se lo impide.
Allen recuerda así sus primeros años: "Eran tiempos agitados, en parte debido a circunstancias económicas y en parte por la escasez de viviendas en tiempos de guerra. Mi familia siempre tenía que cargar con parientes. Constantemente había tíos y primos entrando y saliendo de las habitaciones y siempre nos estábamos mudando de casa".
Debido a que ambos padres debían trabajar, Allen tuvo niñeras desde el primer año de su vida; de un episodio con una de ellas se cree que proviene su aversión a los túneles largos y ascensores; un dia, cuando tenía tres años, la niñera de turno se acercó a su cuna y después de envolverlo en una colcha le dijo: ¿Ves? Ahora mismo podría ahogarte y lanzarte a la basura y nunca nadie sabría lo que ha pasado, pero la mujer no cumplió la amenaza y dejó al chico en la cuna.
Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos, fue tanta la emoción que le produjo ver como los personajes de la pantalla se movían, que corrió a la pantalla a tratar de tocarlos.
A los cinco años se observó el primer cambio de carácter, se convirtió en un niño solitario e introvertido, la razón se cree fue su ingreso a la escuela pública (escuela pública 99 de Brooklyn). Allen años más tarde definió ese lugar como una escuela para maestros con trastornos emocionales.
Su disgusto por la escuela no cambiaría al ingresar a la secundaria, lo único en lo que le iba bien era en las redacciones escolares, en las cuales él siempre dejaba ver su humor. Por aquella época, se había vuelto un buen deportista, aparte del béisbol (era seguidor de los Giants), le gustaba el boxeo, inclusive llegó a practicar para los Golden Gloves, pero sus padres no le dejaron participar.
De su época adolescente comenta: Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo.
Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio "Sylvana Award". A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes, como Jerry Lewis.
En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad.
El primero en usarlos fue Nick Kenny, columnista del Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leído del New York Post, también usaría algunos chistes de Allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego se publicaron con el seudónimo de Woody Allen.
Con 17 años su nombre ya circulaba por diferentes agencias de relaciones públicas y sus chistes aparecían más en los periódicos. Gene Shefrin, un agente de prensa se interesó por éste joven a quien contrató para la agencia en la cual trabajaba.
A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, entre otras materias cursaba Producción cinematográfica. Pero no le interesaban mucho las clases, le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura. Después de dejar de asistir a la mitad de las clases terminó su primer semestre en la universidad con pésimas calificaciones en varias materias, se retiró sin iniciar el segundo semestre. Uno de los profesores le dijo alguna vez No eres material de universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda siquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo. En parte tenía razon, Allen consiguió su primer siquiátra a partir de 1959 y seguiría acudiendo a uno por el resto de su vida (en cuanto a lo del trabajo, se equivocó).
Su primer contrato lo logra en 1955 en el programa The Colgate Happy Hour, con una asignación de 175 dólares semanales.
Actuó en numerosos locales, ocasionalmente apareciendo en programas de televisión, hasta que finalmente y gracias a su talante e ingenio, tras una actuación en el local Blue Angel (en 1960), le ofrecieron la posibilidad de elaborar un guión y participar como actor en el filme What's new, Pussy Cat?. En ese año conoce a dos personas que posiblemente han sido las que más le han influído: sus agentes Jack Rollins y Charles Joffe.
Su primera actuación en el Blue Angel fue gracias a una recomendación de Rollins, ellos veían en Allen un excelente humorista, pero primero debían hacerle vencer su timidez. Esa noche de domingo en el Blue Angel fue un éxito, a pesar de eso, tuvieron que pasar dos años para que tuviera suficiente confianza y comenzara a improvisar saliéndose de los libretos que había preparado.
En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), Take the money and run. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), Palomar Pictures decidió apoyar el proyecto. Aunque la productora no estuvo muy contenta con el resultado final, la película resultó ser un éxito de público.
Después de éste éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas, en 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), comenzaría a rodar su segunda película Bananas.
El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, el estudio le otorgó a Woody Allen total control sobre la producción de las películas, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como este).
En 1977 luego de filmar Sleeper (1973) y Love and Death (1975), Allen realiza la película con la cual obtendría su primer premio oscar: Annie Hall.
A partir de ese momento Allen alcanza el éxito como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores americanos en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.
En 1979 realiza la película que lo consagraría como director, Manhattan; filmada en blanco y negro, con largas e imponentes tomas de la ciudad de Manhattan es considerada como un clásico de la historia del cine.
Ha sido nominado varias veces al Oscar y en 1977 recibió el premio como mejor director por su película Annie Hall, pero no acudió a la entrega alegando que se había olvidado de la ceremonia (se había quedado tocando el clarinete ese día), Diane Keaton obtuvo un premio Oscar como mejor actriz por ésta película.
Éste incidente con los Oscares no sirvió precisamente para aumentar su escasa popularidad en los Estados Unidos. Varias veces ha declarado que si no fuese por su acogida en Europa, le resultaría imposible continuar filmando.
En 2002 recibe el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo. Sus últimas películas (2005 - 2006) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación de la crítica, especialmente la francesa.
En el verano de 2007 rodará una película en Barcelona y Oviedo donde participarán interpretes como Scarlett Johansson, Penélope Cruz o Javier Bardem. La producción estará a cargo de MediaPro. El director de fotografía será el ganador de numerosos goyas, Javier Aguirresarobe.
Cuando actúa en una película, su actor de doblaje al español es Joan Pera, al cual le ha ofrecido un pequeño papel en su próxima película, agradecido por el trabajo del actor catalán, por el que llegó a decir que gracias a él "era más héroe de lo que es en realidad".

Filmografía
2008: Midnight in Barcelona (2008) (anunciada)
2007: El sueño de Casandra (Cassandra's Dream) (septiembre 2007)
2006: Scoop* (2006)
2005: Match Point (2005) (octubre 2005)
2004: Melinda & Melinda (2004)
2003: Todo lo demás* (Anything Else), en Hispanoamérica Muero por ti
2002: Un final made in Hollywood* (Hollywood Ending), en Hispanoamérica El ciego; en Argentina, La mirada de los otros.
2001: La maldición del escorpión de jade* (The Curse of the Jade Scorpion), en Hispanoamérica El beso del escorpión
2000: Granujas de medio pelo* (Small Time Crooks), en Hispanoamérica Ladrones de medio pelo o Pícaros ladrones
1999: Acordes y desacuerdos* (Sweet and Lowdown), en Hispanoamérica: Dulce y melancólico o El gran amante
1998: Celebrity (película)
1997: Desmontando a Harry* (Deconstructing Harry)
1996: Todos dicen I Love You* (Everyone Says I Love You)
1995: Poderosa Afrodita* (Mighty Aphrodite)
1994: Balas sobre Broadway; en Argentina, Disparos sobre Broadway.
1993: Misterioso asesinato en Manhattan* (Manhattan Murder Mystery)
1992: Maridos y mujeres* (Husbands and Wives)
1992: Sombras y niebla* (Shadows and Fog)
1990: Alice
1989: Delitos y faltas* (Crimes and Misdemeanors), en Hispanoamérica Crímenes y pecados
1989: Historias de Nueva York* (New York Stories) Dirigida por Woody Allen, Francis Ford Coppola y Martin Scorsese
1988: Otra mujer (Another Woman)
1987: September Septiembre
1987: Días de radio* (Radio Days)
1986: Hannah y sus hermanas* (Hannah and Her Sisters)
1985: La rosa púrpura de El Cairo (The Purple Rose of Cairo)
1984: Broadway Danny Rose*
1983: Zelig*
1982: La comedia sexual de una noche de verano* (A Midsummer Night's Sex Comedy)
1980: Recuerdos* (Stardust Memories)
1979: Manhattan*
1978: Interiores (Interiors)
1977: Annie Hall*; en Hispanoamérica, Dos extraños amantes
1975: La última noche de Boris Grushenko* (Love and Death)
1973: El dormilón* (Sleeper)
1972: Todo lo que quiso saber sobre el sexo* (Everything You Always Wanted to Know About Sex * But Were Afraid to Ask)
1971: Bananas*
1969: Toma el dinero y corre* (Take the Money and Run), en Hispanoamérica Robó, huyó y lo pescaron
1966: What's up, Tiger Lily?*
1965: ¿Qué tal, Pussycat?* (What's New, Pussycat?), en Hispanoamérica ¿Qué hay de nuevo, Pussycat?

viernes, 4 de mayo de 2007

"El Jefe de todo esto" de Lars von Trier, Martes 8 de Mayo de 2007. 21:00 Horas


El jefe de todo esto.

Sinopsis:

Lars von Trier nos lleva por los caminos de la comedia para mostrarnos una situación absurda, pero no exenta de realidad. La historia comienza con una narración por parte del director, con la clara intención de situar al cerebro del espectador en lo que va a ver, no sin antes advertirlo que se abstenga de cualquier interpretación “intelectauloide” sesuda o surrealista para tratar de desmenuzar la suerte de personajes y situaciones por las que tendrá que pasar.

No le falta razón. La artimaña del dueño de una empresa para poder venderla sin tener que pasar por el amargo momento de comunicárselo a sus empleados, un egocéntrico actor en paro obsesionado por un escritor, unos empleados que por fin conocen a su jefe y un comprador constantemente cabreado, son ingredientes suficientes para desatar la risa y evadir un análisis mas profundo.

Si a todo esto, le añadimos su estilo personal en el ritmo y un lenguaje visual absolutamente atípico, fabricado por la Automavisión©, consigue una comedia ácida, divertida, irónica e inteligente.

Ficha Artística:

Kristoffer…………………. JENS ALBINUS Heidi A. …………………. MIA LYHNE

Ravn………………… PETER GANTZLER Gorm.....…....CASPER CHRISTENSEN

Finnur……… FRIDIK THOR FRIDRIKSSON Mette…………….….LOUISE MIERITZ

Intérprete….…..BENEDIKT ERLINGSSON Spencer………..JEAN MARC BARR

Lise………………………...….IBEN HJEJLE Kisser………………...SOFIE GRÁBOL

Nalle…………………….……HENRIK PRIP Jokumsen…………..ANDERS HOVE

Ficha Técnica:

Dirección y Guión…………… LARS VON TRIER

Ayudante de Dirección……. KRISTOFFER NYHOLM

Cámara……………………….. CLAUS ROSENLOV JENSEN

Imagen………………………… AUTOMAVISION©

Producción……………………. META LOUISE FOLDAGER, VIBEKE WINDELOV, SIGNE JENSEN

Productores Ejecutivos……... LENE BORGLUM, PETER ALBAEK

Montaje………………………... MOLLY M. STENSGAARD

Sonido………………………….. KRISTIAN EIDNES ANDERSEN, AD STOOP

Decorados…………………….. SIMONE GRAU

Duración……………………….. 99 min.

Nacionalidad…………………. Dinamarca

Año de Producción…………. 2006

Estreno en Dinamarca………. 8 de Diciembre de 2006

Estreno en España…………….16 de Marzo de 2007

El concepto de rodaje de EL JEFE DE TODO ESTO

Automavision© es un sistema de cámara (y de sonido) desarrollado para limitar la influencia humana y dejar la puerta abierta al azar con el fin de proporcionar a la obra una visión “sin ideas” libre de la fuerza de la costumbre y de la estética.

Una vez que el director de fotografía ha escogido la mejor posición posible para colocar la cámara desde un punto de vista artístico, un programa compila una lista de correcciones aplicables: inclinación, panorámica, enfoque, apertura, posición vertical y horizontal; hay otra lista de posibles correcciones para el sonido: filtros, niveles, etc, que se aplicarán cuando el ingeniero de sonido haya colocado los micros. Después de estudiar los diversos parámetros, el director, el director de fotografía y el ingeniero de sonido evalúan las modificaciones y pueden decidir descartar la toma. Pero cada vez que la cámara deja de rodar, la selección aleatoria según la fórmula Automavision© vuelve a realizarse.

Para sacar el mayor partido posible de estos encuadres y tomas de sonido para la copia final, no se procesan las tomas, aparte de un simple montaje en el orden previamente escogido. En otras palabras, no se realizan cambios de colores, no se manipula la imagen ni se hacen mezclas de sonido, ya que el material se transfiere directamente a la copia final.

En el caso de EL JEFE DE TODO ESTO también se prohibió el uso de una iluminación que no fuera la propia del decorado exterior o interior.

Cada escena de EL JEFE DE TODO ESTO está realizada de acuerdo con las reglas de Automavision© a excepción de cuatro pequeños insertos con los comentarios del director que no siguen las reglas.

Lars von Trier, Filmbyen, 8 de mayo de 2006

Lars von Trier

Nació en 1956, se licenció en la Escuela de Cine de Dinamarca en 1983.

Todas las películas de Lars von Trier han sido seleccionadas por el Festival de Cannes para la competición oficial. En total, se han llevado siete premios, entre los que destacaremos el Gran Premio del Jurado por Rompiendo las olas, y la Palma de Oro por Bailar en la oscuridad. Sus trabajos para la gran y pequeña pantalla han sido galardonados con numerosos premios internacionales, además de la nominación a un Oscar a la Mejor Actriz para Emily Watson por su trabajo en Rompiendo las olas.

En 1995 presentó el manifiesto Dogma 95 y su famoso “Voto de castidad”. En 1998 estrenó la primera producción realizada según los mandamientos de Dogma, Los idiotas.

La trilogía Europa estaba compuesta por El elemento del crimen, Epidemic y Europa.

Su segunda trilogía estaba compuesta por Rompiendo las olas, Los idiotas y Bailar en la

oscuridad. Después de la trilogía Europa, realizó la famosa serie de televisión “The Kingdom I y II” en 1994 y 1997 respectivamente.

Ha dirigido las siguientes películas:

El jardinero de orquídeas (1977),

Menta (1979),

Nocturno (1980),

El último detalle (1981),

Imágenes de liberación (1982),

los trabajos anteriores son cortos o películas

de aficionado. Sus largometrajes son:

El elemento del crimen (1984),

Epidemic (1987),

Europa (1991),

Rompiendo las olas (1996),

Los idiotas (1998),

Bailar en la oscuridad (2000),

Cinco condiciones (2003),

Dogville (2003), y

Manderlay (2005)

La Prensa ha dicho:

Sorprendente comedia.

E.Rodriguez Marchante/ABC

Muy divertida e ingeniosa comedia.

Andrés P. Llorente/El Adelantado de Segovia

Lars Von Trier sorprende con una sátira donde no deja títere con

cabeza.

Angel S. Harguindey/EL PAIS

Acida comedia.

Gabriella Carlotti/FRANCE PRESSE

Malévola y sardónica farsa , de giros tan divertidos como imprevistos.

Lluís Bonet Mojica/LA VANGUARDIA

 
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