sábado, 29 de septiembre de 2007

Jim Jarmusch con "Flores Rotas" abre la temporada del Fetiche

Estos fragmentos de secuencias pertenecen a "Coffe and cigarettes" (Jim Jarmusch, 2003). Por cierto, uno de los directores de fotografía de esta película es Tom DiCillo -del que proyectaremos "Delirious" el 23 de octubre-. En la primera secuencia aparece Bill Murray que será el protagonista de Flores Rotas -nuestra proyección del martes 2 de octubre-. En la otra secuencia aparece Tom Waits contándole a su interlocutor lo dificil que es una traqueotomía fuera del quirófano. Cirugía de carretera lo llama él. Compraremos caramelos y éstos serán el premio para quien acierte la cuestión de la semana, a saber: ¿quién es el interlocutor de Tom Waits en esta secuencia?

jueves, 27 de septiembre de 2007

FLORES ROTAS de JIM JARMUSCH. MARTES 2 DE OCTUBRE

Queridos amigos y amigas del Cineclub Fetiche:
Con Flores Rotas de Jim Jarmusch comenzamos la temporada de este Otoño. Nos vemos en el cine, el día 2 de octubre a las 21 h, en los multicines Benavente. Un cordial saludo

CRÍTICA DE FLORES ROTAS (Jarmusch 2005)
Géneros Rotos
"¿Estoy enamorado? Sí, porque espero."
Roland Barthes. Fragmentos de un discurso amoroso.

En estos últimos años, un puñado de películas se han planteado la vigencia de los géneros en los que, con mayor o menos escepticismo, se enmarcan. Algunos ejemplos: Election (Johnnie To, 2005) y su depuración autorística y nada indulgente de las películas de tríadas hongkonesas; Una historia de violencia (Cronenberg, 2005), un post-thriller que comienza donde otros terminan para abordar la imposibilidad de renunciar a la violencia, un tema clásico del género; Million Dollar Baby (Eastwood, 2004) y su revisión de la vieja historia de superación personal a través del deporte; o Flores Rotas (2005), donde Jarmush se pregunta qué ocurre después de una comedia romántica cuando los días de galanteo y rosas han llegado a su fin (lo que ocurre es el drama, por supuesto, o lo que Barthes llamaba la secuela, ese largo reguero de “sufrimientos, heridas, angustias, desamparos, resentimientos, desesperaciones, penurias y trampas” que conforman el tercer acto del amor).
Todas estas películas se sirven de diferentes lugares comunes de sus continentes genéricos para malearlos, desgajarlos y remezclarlos con el fin de contar historias de hoy en día, en una operación significativamente diferente de la planteada por Wong Kar-wai, por ejemplo, respecto al melodrama clásico en sus recientes meloscopes. En la excelente La mano (2004), Wong conserva intacto el cogollo genérico para sazonarlo con sus reconocibles formas y temas pero Jarmush y compañía, en cambio, desgajan ese cogollo para exponer sus hojas ocultas al espectador. Esta operación es uno de los síntomas de que un arte ha alcanzado su edad adulta, y surge de la inevitable y a menudo traumática confrontación del cineasta “con la dificultad de evitar los discursos e ideologías precedentes”, como Jean-Michel Frodon, entre otros, ha señalado(1). Esta operación a corazón abierto no está, por supuesto, libre de riesgos: su extrema visibilidad puede convertirse en sobreexposición. Flores rotas, por ejemplo, está repleta de referencias a Don Juan, el supergalán universal, y sólo el escéptico doble juego de Jarmush evita, con la distancia de la ironía, que se conviertan en una de las citas más ñoñas de la historia.
Flores rotas es una película completamente atravesada por el lenguaje donde el cuerpo de Bill Murray es “texto de los pies a la cabeza”, tomando prestada una frase genial de Serge Daney(2), y no sólo remite a los últimos trabajos de Murray con Sofia Coppola y Wes Anderson sino a toda su filmografía —Atrapado en el tiempo (Ramis, 1993) es otro referente obvio—. Tanto Jarmush como Coppola escribieron expresamente sus personajes de Flores Rotas y Lost in translation para él y, en el caso de Anderson, Murray es parte indisoluble de sus últimas películas. Esto ocurre porque porque para los jóvenes cineastas —tal y como continúa explicando Daney— trabajar con este tipo de actores es como “un símbolo legitimante, la prueba de su pertenencia a la Historia del Cine”.

Y si Murray es texto, su ropa, su casa o su rostro hierático son código dispuesto a ser interpretado. En Fragmentos de un discurso amoroso Barthes habla de una escenografía de la espera: “Estoy esperando por una llegada, un regreso, un signo prometido. Esto puede ser futil, o inmensamente patético”, y la primera aparición de Murray la representa a la perfección: sentado en un demodé sofá de cuero, vestido con un chandal que sería retro sino fuera simplemente viejo, viendo en su televisor pretecnológico una película sobre Don Juan (The Private Life of Don Juan, el melodrama de 1934 de Alexander Korda). Todo es viejo, como Bill Murray que parece fundirse con el vetusto sofá mientras espera pero, ¿qué es lo que espera? En estos tiempos posgenéricos el cuerpo del actor se está convirtiendo en una sombra, un residuo icónico inmerso en un proceso gradual de virtualización. Podemos percibir este progresivo —y melancólico— fade out en Frankie Dunn y Eddie Dupris, el entrenador y su asistente interpretados por Eastwood y Freeman en Million Dollar Baby —por su amor al boxeo uno perdió un ojo, el otro una hija—; en el anhelo de Viggo Mortensen por desaparecer en Una historia de violencia; en los venerables ancianos de las tríadas y sus ancianos rituales que ya nadie respeta en Election; y, por supuesto, en el apagado y deslustrado Don Juán de Jarmush/Murray que ya no sabe qué esperar.
Murray es Don Johnston (con "t", por favor), un acomodado hombre de negocios ya retirado con una larga lista de conquistas cuyos días de gloria se han esfumado. Así como Don Juan perseguía el breve placer de la seducción en una mujer tras otra, este otro DJ parece haber comprendido que el amor es misteriosamente inalcanzable o, más bien, imposible de retener una vez alcanzado. Así que se encuentra atrapado en sus secuelas. Y es en ese punto cuando, tras la llegada de una misteriosa carta de una antigua amante —rosa, por supuesto— que le informa de la existencia de un hipotético hijo secreto, da comienzo una road movie retrospectiva —una extraña mezcla entre Alta fidelidad (Frears, 2000) y The brown bunny (Gallo, 2003)— que le lleva de ex amante en ex amante a lo largo de EE.UU. Don se lanza en busca de su hijo (uno de los “temas” cinematográficos de los últimos años) para, a través de él, tratar de encontrar un asidero a un mundo donde todo se desvanece, incluso sus amantes. La última, Sherry (la dulce Julie Delpy), lo abandona nada más comenzar la película. En su fuero interno, Flores rotas es una nueva prueba del testarudo determinismo de la melancolía (la materia prima del cine, o al menos una de ellas) porque, como Barthes dejó escrito en sus Fragmentos, “mucho tiempo después que la relación amorosa se ha apaciguado conservo el hábito de alucinar al ser que he amado: […] soy un mutilado al que continúa doliéndole la pierna amputada”.

(1) DALY, Fergus. “The Critical Exception. A Discussion on Film Criticism with Jean-Michel Frodon”. L´exception (publicado originalmente en Cinema Scope) >> (2) DANEY, Serge. Cine, arte del presente. p. 66. Santiago Arcos editor. Buenos Aires.


















jueves, 20 de septiembre de 2007

Programación de Octubre del 2007

El Cineclub Fetiche de Benavente inaugura la temporada 2007-2008 el martes, 2 de octubre, a las 21 h. en los Multicines Benavente, con la proyección de "Flores Rotas" (2005) de Jim Jarmusch. El siguiente Martes, 9 de octubre, proyectaremos la película ganadora del último Festival de Cine de Málaga "Bajo las estrellas" (2007) de Félix Viscarret, película producida por Fernando Trueba. El siguiente martes, 16 de octubre rendiremos culto al mago del suspense Alfred Hitchcock exhibiendo "La sombra de una duda" (1943). Uno de los grandes del cine independiente americano Tom DiCillo nos proporcionará su última obra "Delirius" (2007) que proyectaremos el martes 23 de octubre. Y para terminar el mes, el 30 de octubre, pasaremos "Una historia de violencia" (2005) de David Cronenberg.

Esto sólo es el comienzo. Deseamos que os guste nuestra programación. Os esperamos en el cine. Los martes a las nueve de la noche. Un cordial y cinéfilo saludo.






FLORES ROTAS
FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Título original: Broken flowers
Año: 2005
Duración: 106
Compañía Productora: Five Roses
Distribuidora: Vertigo Films S.L.
Género: Ficción-Comedia-Drama
Dirección: Jim Jarmusch,
Productor: Jon Kilik, Stacey Smith,
Guión: Jim Jarmusch,
Música: Mulatu Astatke,
Fotografía: Frederick Elmes,
Montaje: Jay Rabinowitz,
Dirección artística: Sarah Frank,
Nacionalidad: Estados Unidos-Francia
Fecha de Estreno: 21-10-2005


BAJO LAS ESTRELLAS

Título original: Bajo las estrellas
Año: 2007
Distribuidora: Fernando Trueba P.C.
Género: Ficción
Dirección: Félix Viscarret,
Productor: Fernando Trueba,
Música: Mikel Salas,
Fotografía: Álvaro Gutiérrez,
Dirección artística: Gustavo Ramírez,
Nacionalidad: España
Fecha de Estreno: 15-06-2007









LA SOMBRA DE UNA DUDA
Título original: Shadow of a Doubt
Año: 1943
Duración: 108
Género: Policíaco-Intriga
Dirección: Alfred Hitchcock,
Productor: Jack H. Skirball,
Fotografía: Joseph A. Valentine,
Montaje: Milton Carruth,
Dirección artística: John B. Goodman,
Nacionalidad: Estados Unidos
Fecha de Estreno: 29-01-1945





DELIRIOUS
Título original: Delirious
Año: 2005
Duración: 107
Compañía Productora: Distribuidora: Aurum Producciones S.A.
Género: Ficción
Dirección: Tom DiCillo,
Productor: Bob Salerno,
Guión: Tom DiCillo,
Fotografía: Frankie DeMarco,
Espectadores: 6.444
Nacionalidad: Estados Unidos
Fecha de Estreno: 18-05-2007

UNA HISTORIA DE VIOLENCIA (2005) DAVID CRONENBERG
Año: 2005
Duración: 96
Compañía Productora: BenderSpink
Distribuidora: Tripictures S.A.
Dirección: David Cronenberg,
Productor: Chris Bender,
Guión: Josh Olson,
Fotografía: Peter Suschitzky,
Dirección artística: James McAteer,
Nacionalidad: Estados Unidos
Fecha de Estreno: 21-10-2005

viernes, 14 de septiembre de 2007

El amor y la belleza. Otro concursito

Hola amigos cinéfilos: La pregunta es múltiple.

a) ¿Qué suena en esta secuencia?

b) ¿Cuál es el título de la peli?

c) ¿Quién es el dire?

d) ¿Qué premio se ha llevado el director recientemente?

Hala!. Tenemos caramelitos para los que contesten correctamente.

Y muchísimos agradecimientos si empezáis a pensar qué buen cine queréis ver con el Cine-Club Fetiche esta temporada

La terrible realidad

O la realidad. El cine la muestra. Y crea otra, que nos ayuda a escaparnos de aquella. Así lo dice Woody Allen en una entrevista a Jean Luc Godard. Vamos a verlo.







"Es un lugar dónde uno puede evadirse. Donde puede dejarse de lado la terrible realidad"

¿Y por qué le gustaba el cine a Woody?



"De adolescente adoraba huir del sol, que detesto. Y enfermar en una sala oscura. Escapar al calor y a la luz. Y encontrarme totalmente transportado a otro sitio: a bordo de un vapor pirata, en el desierto o en un loft en Manhattan. Siempre era decepcionante la salida del cine; ser , de nuevo, enfrentado a la calle y a la realidad"

miércoles, 12 de septiembre de 2007

INGMAR BERGMAN, el grande. IN MEMORIAM


(Secretos de un matrimonio, 1974)

Ingmar Bergman (Upsala, 14 de julio de 1918 - Fårö, (Gotland), 30 de julio de 2007) cineasta, guionista y escritor sueco, tanto de obras de teatro como de cine. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos es una de las personalidades más eminentes de la cinematografía mundial.


Segundo hijo de un pastor luterano, Erik, y de Karin Åkerblom nació en Upsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia, su educación estuvo basada en los conceptos luteranos de "pecado, confesión, castigo, perdón y redención". Sin embargo, progresivamente el joven Bergman encontró la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual.(Saraband, 2003)
A partir de los trece años estudió bachillerato en una escuela privada de
Estocolmo, para luego licenciarse en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. Afortunadamente encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresar su complejo mundo interior y su potencial creativo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez que lo seguirían por el resto de su vida y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: Dios, el Demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor.
El director falleció el
30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado, el mismo día que falleció el director italiano Michelangelo Antonioni.


Dos dramaturgos: Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg, le influyeron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística.
La narrativa visual bergmaniana suele ser deliberadamente lenta, con un montaje y una secuencia de planos mesurados, esto con el fin de lograr un suficiente tiempo de reflexión entre los espectadores aún cuando ya estén "capturados" en la diégesis; sin embargo tal lentitud está (como en
Andrei Tarkovsky) lejos de la monotonía merced a la carga del mensaje o a la excelente marcación actoral; otra característica de la estética bergmaniana es la limpieza de las imágenes.
Es recurrente el hecho de que en la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante, en la medida en que los personajes bergmanianos realizan aquella trayectoria sobrecargada por un denso dramatismo, aquél que implica desnudar el alma humana en forma genérica.
Aquella trayectoria termina en algunos casos en la locura o en la muerte, en otros en un estado de gracia, un momento metafísico que permite a sus personajes comprender más de su realidad, una revelación que los iluminará y modificará el curso de sus vidas. En algunos casos les servirá para exorcizar, conjurar y dominar los fantasmas que perturban el alma del personaje.
Los personajes de Bergman arrastran un pesado lastre en sus mentes, en sus corazones. En general son adultos, salvo el caso del niño de El Silencio, (aunque en realidad no es el niño quien tiene el alumbramiento sino Ester, el personaje que interpreta
Ingrid Thulin). La inquietud que sienten los personajes es más o menos latente, pero progresivamente irá revelándose ante el espectador produciendo un efecto devastador.
La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes originan historias angustiosas y lacerantes, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro del director sueco.



Director y guionista


1944: Tormento (Tortura) (Hets): Ayudante de dirección de Alf Sjöberg, una de sus influencias confesas. Dirige las últimas escenas de este pequeño clásico interpretado por Mai Zetterling.
1945: Crisis (película) (Kris): Fue su debut oficial. Drama materno-filial de interés pero que decepciona a un seguidor acérrimo del realizador porque no trasciende la linealidad de la historia que cuenta. No era tiempo de simbología.
1946: Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek)
1947: Mujer sin rostro (Kvinna utan ansikte) Barco hacia la India (Skepp till India Land)
1948: Noche eterna (Musik i mörker) Ciudad portuaria (Hamnstad) Eva (Eva)
1949: Prisión (Fängelse): Su primer drama con personajes torturados emocionalmente que es conocido fuera de su país, desarrollada en un hospital psiquiátrico y que tiene algún punto en contacto con la magistral "Como un espejo". Interesante de verdad. La sed (Törst)
1950: Hacia la felicidad (Till glädje) Cuando la ciudad duerme (Medan staden sover)
Esto no puede ocurrir aquí (Sånt händer inte här) Divorcio (Frånskild)
1951: Juegos de verano (Sommarlek): Film donde se empieza a poner de manifiesto el futuro "sello" del director, y en el que van apareciendo algunos de sus actores fetiche como Maj-Britt Nilsson. Frescura para el cine de su tiempo, armonía estilística en sus planos, buenos actores y alguna de las bases de la temática obsesiva del autor. Muy buena.
1952: Tres mujeres (Secretos de mujeres) (Kvinnors väntan)
1953: Un verano con Mónica (Sommaren med Monika): Según la leyenda, este film supone su descubrimiento por parte de la crítica francesa, y lo cierto es que resulta esencial en la filmografía de Bergman. Con una escena polémica para su tiempo y un retrato humano de gran calidez, fue el primer papel importante de Harriet Andersson, amante y una de las actrices de siempre del maestro sueco. Realmente es un clásico. Noche de circo (Gycklarnas afton)
1954: Una lección de amor (En lektion i kärlek)
1955: Sueños (Kvinnodröm) Sonrisas de noches de verano (Sommarnattens leende):Insólita en la carrera del director, por tratarse de una comedia, y por estar desarrollada entre ambientes de lujo, sofisticación y focos teatrales pero narrada en un tono clásico y poco intimista pero sí diseccionador de los modos sociales y costumbres que recrea. En fin, estilo costumbrista típicamente europeo, segunda mitad con planos que recuerdan al teatro filmado pero sin que se note, multitud de diálogos, ironía no contenida y calidad artística sobrada y algún detalle reconocible del autor pero en verdad todo poco bergmaniano. O no.
1956: El séptimo sello (Det sjunde inseglet): Primera obra maestra absoluta reconocida así por crítica y público casi desde el momento de su estreno, éxito internacional destacado, aparición e interpretación de órdago de sus queridos Max von Sydow y Bibi Andersson, la muerte y la desolación del ser humano frente a frente, la vida como una especie de partida de ajedrez sin reglas aparentes pero sí presentes, la Edad Media y la (in)existencia de Dios, etc.
La última pareja que corre (Sista paret ut)
1957: Fresas salvajes (Smultronstället):Con una escena que ha pasado a la historia del cine, memorables interpretaciones, flashbacks no exentos de fascinación y la presencia de Ingrid Thulin y del enorme director de cine sueco Victor Sjöstrom ("El viento") como actor protagonista, Bergman se interna tempranamente en la meditación sobre la madurez, el sentido de la experiencia y de la vida, la filosofía de la vejez, el tiempo como (propia) incomunicación con uno mismo, y por supuesto las relaciones paterno-filiales. Inconmensurable.
En el umbral de la vida (Nära livet):No tan emblemática para el público en general como "El séptimo sello" o "Fresas salvajes", pero sí para cinéfilos de todo el mundo, la cinta logró el premio de interpretación femenina en el Festival de cine de Cannes.
1958: El rostro (Ansiktet):Incomprendida en su día, es uno de los mejores títulos del realizador. Visualmente espléndida y con encomiables actuaciones del reparto actoral, influyó en cierto modo en el estilo de las producciones de terror británicas de la Hammer rodadas en los 60. Vampirísmo, soledad, incomunicación, medievo y burguesía elevados a la máxima potencia dramática, se conjugan en una obra de cierta estructura teatral y momentos casi genuinos en cuanto a atmósferas del cine de suspense o terror tipo Sheridan Le Fanu y similares.
1959: El manantial de la doncella (Jungfrukällan): Oscar al mejor film de habla no inglesa, y uno de los poemas visuales más bellos jamás rodados por Bergman, recrea una famosa leyenda nórdica envolviendo la historia en una atmósfera de cuento. Inigualable.
1960: El ojo del diablo (Djävulens öga):Poco valorado pero nada desdeñable drama, con una destacada composición de Jarl Kulle.
1961: Como en un espejo (Detrás de un Vidrio Oscuro) (Såsom i en spegel): Citada por André Techiné en su maravilloso film "Los juncos salvajes" (1994), retrata con una lucidez y una sutileza únicas el estado mental perturbador y fascinante de una jovencísima Harriet Andersson, en una de sus mejores interpretaciones. Reflexión sobre la verdadera incomunicación, la fragilidad del ser humano y la incertidumbre, constituyó el inicio de la célebre trilogía sobre la existencia de Dios y la incomunicación entre éste y el ser humano que completan "El silencio" (1962) y "Los comulgantes" (1963). Para muchos, su mejor film.
El jardín de las delicias (Lustgården)
1962: El silencio (Tystnaden):Fue una de sus obras más aplaudidas, aunque hoy en día nos parece algo más retórica y críptica de lo que debiera. Magnífica pareja protagonista (Ingrid Thulin y Bibi Andersson).
1963: Los comulgantes (Luz de Invierno)(Nattvardsgästerna): Cierra su célebre trilogía e introduce algunos elementos simbólicos clave en la filmografía posterior del director, por lo que podemos decir que cierra un ciclo de su cine. En este film están sus actores característicos de la etapa de madurez del gran Bergman, y el drama finaliza con una pérdida de fé de lo más significativa.
1964: ¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor)
1966: Persona:La película supuso el inicio de su colaboración con Liv Ullmann, y la ruptura definitiva del sueco con el clasicismo cinematográfico (si es que en su estilo hasta ese momento había sitio para tal cosa). Innovadora y algo experimental, la crítica se rindió con esta historia de superación de la joven protagonista, y el film se reestrenó hace poco en nuestros cines (en 2006), demostrando que sin ser una obra maestra sí permanece como un título a tener en cuenta.
1967: Daniel, episodio de Stimulantia
1968: La hora del lobo (Vargtimmen) Drama con resonancias del cine de terror, muy críptica pero conseguida, aunque a ratos desconcertante, parece que crítica y público estuvieron muy divididos en su momento: obra maestra u obra menor, según gustos. Liv, Max, Erland Josephson,... encarnan las obsesiones de su autor en una cinta cuanto menos interesante.
La vergüenza (Skammen)Poco recordada, por no decir, olvidadísima cinta de verdadero alcance. Primera vez que Bergman requiere un análisis de la pareja en un contexto ambiental y anímico hostil, que en algún momento aparece referenciada implícitamente en un film con el sello del director aunque no rodado por él: "Las mejores intenciones" (1992 de Bille August), el drama alcanza cotas de virtuosismo técnico nada insólitas en el propio Bergman. Fue su último film en blanco y negro si exceptuamos el telefilm estrenado en cines "El rito", y explora las relaciones humanas en mayor profundidad y con más versatilidad que en la más famosa -y también televisiva- "Secretos de un matrimonio" (1974). Imprescindible.
1969: El rito (Riten)Telefilm dramático con Ingrid Thulin que adapta una obra teatral que el mismo Bergman desarrollara en los escenarios, precisa y de corta duración. No añade nada a su carrera pero tampoco es un paso atrás. Fårödokument 1969 (Documento sobre Fårö]]
Pasión (La Pasión de Anna) (En passion) Primer film en color del realizador sueco, y uno de sus mejores trabajos, únanimemente elevada a la categoría de Obra Maestra de la cinematografía e incluso aplaudida por algunos como una de las 20 mejores películas de la historia. Drama rural de innegable belleza, contrastando parajes desoladores con una villa adinerada, que utiliza el color como elemento expresivo y -más bien- simbólico para contar una historia de amor entre un hombre rústico y humilde y una joven delicada procedente de buena familia. Sobresaliente atmósfera, una de los estudios sobre la naturaleza del ser humano más contundentes jamás rodados, e interpretaciones del cuarteto del film, Max von Sydow, Liv Ullmann, Erland Josephson y Bibi Andersson. En algunas secuencias, el film adelanta el aliento de "Gritos y susurros" (1972) y la opresividad, luego totalmente onírica y fantasmal, de "Cara a cara" (1976). Inolvidable. La Reserva (Reservatet)
1971: La carcoma (Beröringen): Única experiencia hollywoodiense del autor, previsible tras los varios Oscars otorgados a sus películas y su prestigio por parte de la crítica, para un film si no el peor de toda su carrera, sí uno de los más flojos e inconexos, nuevamente centrado en las vicisitues emocionales de una pareja, Elliott Gould y Bibi Andersson. Poco recomendable para admiradores del sueco y para descubridores de su cine.
1972: Gritos y susurros (Viskningar och rop): Su estreno constituyó uno de sus mayores éxitos de crítica y público en nuetro país, y es el film de madurez más celebrado de su director en España junto a "Sonata de otoño" (1978) y "Fanny y Alexander" (1982). Feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es uno de esos films que uno no olvida. Tan vertiginosamente dirigida como hipnótica, creo que su visión resulta obligada para todos los que aman el cine.
1974: Secretos de un matrimonio (Escenas de la vida conyugal) (Scener ur ett äktenskap): Miniserie de televisión de ocho capítulos que en España se ha visto generalmente en su versión reducida y en los cines, satisface a los seguidores de Bergman y a los no tanto por su temática y estilo, aunque no consigue resultados tan rotundos como otras obras de este mismo período. Liv y Erland, de nuevo juntos, retomaron sus personajes en 2006 en la revisión-continuación (también televisiva) estrenada en cine tras su paso por Cannes: "Saraband". Recomendable.
Misantropen
1975: La flauta mágica (Trollflöjten): Recientemente versionada por Kenneth Branagh, la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart se convierte aquí en una brillante fábula moral, con ecos de la dramaturgia escénica que el director ejercía en el Teatro de Estocolmo perfectamente entremezclados al lenguaje fílmico. Soberbio espectáculo rodado para la TV, de poco gancho de cara a la taquilla, pero de indiscutible fuerza. Creo que muy notable.
1976: Cara a cara (Ansikte mot ansikte):Una de las obras más personales del maestro Bergman -que ya es decir-, con la Ullmann y Erland Josephson repitiendo papeles de protagonista. Los miedos íntimos, la angustía, la soledad y el vacío existencial de una doctora, incapaz de reaccionar ante su fracaso sentimental, unido a los recuerdos de la niñez, episodios traumáticos y oscuros teñidos de muerte, la entrevisión de un destino amargo como hilo conductor de toda la trama, apariciones fantasmales, psicóticas, conflictos de Edipo asociados al padre real y al interpuesto, depresión severa y un profundo sentimiento de melancolía conforman a este film en particular una fascinación fuera de toda duda. Nadie permanece indiferente ante esta obra, directamente de culto.
1977: El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei):Famosa en su momento, prestigiada por la crítica y todavía realmente demoledora, cuenta los años clave del nazismo alemán en un fresco histórico único en Bergman ya que enlaza a la perfección con sus obsesiones más intimas. Perfecto David Carradine en un film indispensable.
1978: Sonata de otoño (Höstsonaten): Única ocasión en que dos de los mayores mitos del cine sueco compartieron cartel: Ingmar e Ingrid Bergman. Esta película ha alcanzado el rango de mítica, se ha versionado-homenajeado-copiado libremente en multitud de ocasiones, sin hacerle sombra. Tanto Ingrid como Liv Ullmann como Lena Nyman brillan como personajes envueltos en una trama principal tan sencilla como asfixiante: la posesividad familiar. Pocos duelos interpretativos femeninos resuenan en la memoria como el de Ingrid y Liv, y pocas películas han conseguido poseer tal conjunto de matices que se va ampliando conforme pasa el tiempo. Con premio o sin él, este título corona la filmografía de su inmenso director. Seguro.
1979: Mi isla, Farö (Farö-dokument)
1980: De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten):Luces y sombras de un personaje masculino, un joven hijo de un industrial, de carácter marcadamente autobiográfico -de nuevo-, connotaciones homosexuales del personaje protagonista y acidez en la trama. No aparecen los actores predilectos del sueco pero el potencial dramático de la historia está explotado a la perfección, el guión es excelente, visualmente resulta rica y elaborada, adelanta en varios sentidos a "Fanny y Alexander" (1982) sin quedar excesivamente por debajo, es una obra pletórica de la madurez intelectual y cinematográfica del director, etc, pero como suele suceder con obras de este tipo (A Fellini le ocurrió con sus peliculas de madurez desde "Ensayo de orquesta") nunca figura en la lista de los críticos sobre sus mejores películas. Sobresaliente.
1982: Fanny y Alexander (Fanny och Alexander):Cine y miniserie de la televisión sueca, el adiós oficial de su director a la gran pantalla, autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc se dan cita en la película más reconocible y popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. Sus 285 minutos en versión íntegra proporcionan al espectador un placer incomparable, ineludible, intelectual y sentimental que supone cerrar todo un ciclo en cuanto a la manera de narrar, temática y estilos, finalizando todo con una búsqueda de la esencia, de lo aprendido y de las bases de un cine que será siempre eterno. Maravillosa, en fin.
1984: El Rostro de Karin (Karins Ansikte) , cortometraje
Después del ensayo (Efter repetitionen):Telefilm con Erland Josephson, intimismo y rasgos biográficos.
1985: Los dos bienaventurados (Det tva saliga)
1986: Documento Fanny y Alexander (Dokument Fanny och Alexander), cortometraje
De Två saliga
1992: La marquesa de Sade (Markisinnan de Sade)
1993: Backanterna Adaptación de "Las Bacantes" de Eurípides rodada para la TV sueca.
1995: Sista skriket
1997: En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till)
2000: Bildmakarna
2003: Zarabanda (Saraband):La última película del cineasta sueco. Liv Ullmann y Erland Josephson encabezan reparto en una producción rodada en video de alta definición, lanzada en Cannes para el mercado internacional de cine, que recupera los personajes de "Escenas de un matrimonio". Estructura teatral, monólogos o escenas dialogadas entre los personajes dos a dos, conforman una obra con miras al pasado pero aportando nuevas vías de expresión a su manera de narrar, que evidencia la lucidez de un director que permanece escrito con letras de oro en la historia del cine. Un adiós digno de un maestro. (datos tomados de wikipedia)

viernes, 7 de septiembre de 2007

RESPUESTAS A WOODY










CONCURSITO

1) Año y director de la película de la cual forma parte este (EL DE LA ENTRADA ANTERIOR) fotograma.

En 1986 Jean Luc Godard realizó una película en vídeo de más de media hora de duración. titulada Meeting Woody Allen, a partir de una entrevista que filmó con woody Allen. El vídeo fue presentado en el XVII Festival Internacional de Cine Nuevo y Vídeo de Montreal.

Respuesta: Jean-Luc Godard, 1987
























2) En el siguiente listado de películas dirigidas por Woody Allen (para el cine, no para la Television), en las cuales también ha firmado el guión, podría faltar una. ¿A qué película me refiero?

En el caso de que faltase alguna (adviértase que en la pregunta hay un condicional: "podría") yo me inclinaría por incluir esta producción japonesa que Woody Allen compró, cambió los diálogos, introdujo nuevas secuencias, puso nueva música, etc. No incluiría "Sueños de un seductor", 1972 porque aunque Woody Allen es el autor del guión y su actor principal, la dirige Herbert Ross.

1966 Woody Allen el nº uno. Lily, la tigresa. (What’s up Lily?)
Título de la version japonesa: Kagi No Kagi
Director: Senkichi Taniguchi
Nuevo guión y doblaje: Woody Allen











3) Según los criterios de la pregunta 2), también sobra una película del listado. ¿Cuál?

Desde luego sobra "No te bebas el agua", que es una obra de teatro de Woody y que ha sido dirigida por múltiples directores y en alguna ocasión por él mismo pero para la televisión.

lunes, 3 de septiembre de 2007

Todo Woody


El Cine-Club Fetiche os propone el juego del final del verano.
Hay que responder correctamente a las tres siguientes preguntas para adjuntar una estrella (que es como un blasón) a vuestro carnet de socios del prestigioso Cine-Club. Ahí van:
1) Año y director de la película de la cual forma parte este fotograma.
2) En el siguiente listado de películas dirigidas por Woody Allen (para el cine, no para la Television), en las cuales también ha firmado el guión, podría faltar una. ¿A qué película me refiero?
3) Según los criterios de la pregunta 2), también sobra una película del listado. ¿Cuál?


FILMOGRAFÍA
Como director
.

1969 Toma el dinero y corre (Take the money and run)
Guión: Woody Allen y Mickey Rose












1971 Bananas (Bananas)
Guión: Woody Allen y Mickey Rose









1972 Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (Everything you always wanted to know about sex, but were afraid to ask)
Guión: Woody Allen









1973 El dormilón (Sleeper)
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman









1975 La última noche de Boris Grushenko (Love and death)
Guión. Woody Allen









1977 Annie Hall (Annie Hall)
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman









1978 Interiores (Interiors)
Guión: Woody Allen














1979 Manhattan (Manhattan)
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman























1980 Recuerdos (Stardust memories)
Guión: Woody Allen









1982 La comedia sexual de una noche de verano (A midsummer night’s sex comedy)
Guión: Woody Allen









1983 Zelig (Zelig)
Guión: Woody Allen









1984 Broadway Danny Rose (Broadway Danny Rose)
Guión: Woody Allen









1985 La rosa púrpura del El Cairo (The purple rose of Cairo)
Guión: Woody Allen























1986 Hannah y sus hermanas (Hannah and her sisters)
Guión: Woody Allen

















1986 Dias de radio (Days of radio)
Guión: Woody Allen









1987 Septiembre (September)
Guión: Woody Allen









1988 Otra mujer (Another woman)
Guión: Woody Allen









1989 Historias de Nueva York: Edipo Reprimido (New York stories: “Oedipus Wrecks”)
Guión: Woody Allen























1989 Delitos y Faltas (Crimes and misdemanors)
Guión: Woody Allen









1990 Alice (Alice)
Guión: Woody Allen









1991 Sombras y niebla (Shadows and fog)
Guión: Woody Allen









1992 Maridos y mujeres (Husbands and wiwes)
Guión: Woody Allen









1993 Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan murder mistery)
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman









1994 Balas sobre Broadway (Bullets over Broadway)
Guión: Woody Allen y Douglas McGrath









1995 Don’t drink the Water (Telefilme)
El guión es de Woody Allen basado en su obra teatral.


















1995 Poderosa Afrodita (Mighty Aphrodite)
Guión: Woody Allen









1996 Todos dicen I love you (Everybody says I love you)
Guión: Woody Allen









1997 Desmontando a Harry (Deconstructing Harry)
Guión: Woody Allen









1998 Celebrity (Celebrity)
Guión: Woody Allen













1999 Acordes y desacuerdos (Sweet and Lowdown)
Guión: Woody Allen









2000 Granujas de medio pelo (Small time crooks)
Guión: Woody Allen









2001 La maldición del escorpión de jade (The curse of the jade scorpion)
Guión: Woody Allen









2002 Un final made in Hollywood (Hollywood ending)
Guión: Woody Allen









2003 Todo lo demás (Anthing Else)
Guión: Woody Allen









2004 Melinda y Melinda (Melinda and Melinda)
Guión: Woody Allen









2005 Match point (Match point)
Guión: Woody Allen









2006 Scoop (Scoop)
Guión: Woody Allen























2007 Cassandra’s dream
Guión: Woody Allen























2008 WOODY ALLEN SUMMER PROJECT 2007

Con: Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, Rebecca Hall, Patricia Clarkson, Kevin Dunn, Chris Messina, Lluís Homar, Zak Orth, Joan Pera, Abel Folk, Mireia Ros, Joel Joan. Director de Fotografía: Javier Aguerrisarobe. Productores: Letty Aronson, Stephen Tenembaun, Gareth Wiley. Co-Productor: Jaume Roures. Casting: Juliet Taylor, Patricia Kerrigan DiCerto.





Son absolutamente imprescindibles para una filmografía de Woody Allen los libros de Jorge Fonte “Woody Allen” Madrid, Cátedra, 2002 aunque solo llega hasta el proyecto de primavera del 2002 “Todo lo demás”, y el de Pep Aixalá, “Todo sobre Woody Allen” Barcelona, Océano, 2001 aunque sólo estudia hasta la obra del 2001 “Un final made in Hollywood”.
Las fichas técnicas y artísticas, al igual que múltiples informaciones sobre las películas de nuestro autor se encuentran perfectamente disponibles en la IMDT (Internet Movie Database es una base de datos on line de información sobre películas, actores…)
En 1971 Woody Allen filmó un telefilme: Men of Crisis: The Harvey Willinger, que no ha sido estrenado aún. El telefilme fue realizado para la cadena de televisión neoyorkina WNET. Se trata de una visión cáustica de la política norteamericana de la época de Richard Nixon.
 
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