Me ha llegado un manuscrito, de uno de nuestros cinecluberos, con 16 películas y un breve comentario a cada una de ellas, para programar. Transcribo:
1
M, el vampiro de Dusseldorf (1931) Fritz Lang
“Obra cumbre del expresionismo alemán y crítica profunda a una sociedad histérica y desequilibrada, Con una atmósfera extraña y envolvente. Sentó las bases del cine de psicópatas”
M es una película policial dirigida por Fritz Lang en el año 1931. Fue su penúltima película dirigida en Alemania, y siempre la consideró su favorita. Su ambientación oscura debe interpretarse dentro del pesimismo producto de la derrota alemana en la I Guerra Mundial. M fue una de las primeras películas en emplear fuertemente un leitmotiv.
Argumento
El argumento está inspirado en hechos reales. En la ciudad de Düsseldorf anda suelto un asesino de niñas, y la policía lo busca. Los criminales que viven en los bajos fondos de la ciudad también deciden buscarlo, dado que la presión policial les está arruinando sus negocios.
Curiosidades
Fue la primera película sonora de Lang, a un año de que se haya incorporado el sonido al cine.
Célebre por la interpretación de Peter Lorre, quien luego de esta participación quedó tipificado por el personaje de villano
Está inspirada en el caso real de Peter Kürten, que asesinó a varios niños en la ciudad de Düsseldorf.
El fragmento de Peer Gynt que silba con gran frecuencia el personaje del asesino no era silbado por el actor Peter Lorre si no por Fritz Lang. A Lorre le resultaba muy difícil silbar la melodía durante largo rato y sin perder aire. Lang lo hizo por él ya que tenía gran habilidad para ello.
2
Alexander Nevsky, 1938, Rusia
“Obra cumbre de la estética rusa de entreguerras y una obra maestra”
Dirección: Sergei Eisenstein, D. I. Vassiliev. Intérpretes: N. P. Okhlopkov, Nikolai Cherkassov, A. L. Abrikossov, V. O. Masalitinova, V. S. Ivasheva. Duración: 1 hora 48 minutos
Alexander Nevsky (Александр Невский) is a 1938 historical drama film directed by Sergei Eisenstein and Dmitry Vasiliev and produced by Mosfilm, based on the life of Alexander Nevsky. With Nikolai Cherkasov in the title role and a score by Sergei Prokofiev, Alexander Nevsky is Eisenstein's most popular sound film, and has an audience appeal not found in his Ivan the Terrible.
Título Original: Alexander Nevsky
Año: 1938
Director: Sergei M. Eisenstein
Duración: 112 min
Guión: Sergei M. Eisenstein & Piotr A. Pavlenko
Música: Sergei Prokofiev
Fotografía: Eduard Tissé (B&W)
Reparto: Paul Richter, Margarete Schön, Hanna Ralph, Theodor Loos, Hans Adalbert von Schlettow, Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Erwin Biswanger
Género: Drama épico/histórica
Género: Tras pasarse una década sin estrenar ninguna película, en 1938 Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra con el relato épico del principe Alexander Nevsky y su defensa de la zona norte de Rusia ante el ataque de los teutones. Narra la historia del Príncipe Alexander Nevsky desde su aparente posición de humilde pescador hasta su condición de héroe de guerra que llevó a su país a la victoria. Es el año 1242 y la historia comienza con la constante invasión de las tropas Mongoles a Rusia. Algunas de las organizaciones rusas, trataron, y consiguieron, la creación de un pacto de no-agresión, pero la gente consideraba a estos líderes como cobardes y traidores y Alexander paso a dirigir al proletariado a una batalla contra los nuevos invasores.
3
M, el vampiro de Dusseldorf (1931) Fritz Lang
“Obra cumbre del expresionismo alemán y crítica profunda a una sociedad histérica y desequilibrada, Con una atmósfera extraña y envolvente. Sentó las bases del cine de psicópatas”
M es una película policial dirigida por Fritz Lang en el año 1931. Fue su penúltima película dirigida en Alemania, y siempre la consideró su favorita. Su ambientación oscura debe interpretarse dentro del pesimismo producto de la derrota alemana en la I Guerra Mundial. M fue una de las primeras películas en emplear fuertemente un leitmotiv.
Argumento
El argumento está inspirado en hechos reales. En la ciudad de Düsseldorf anda suelto un asesino de niñas, y la policía lo busca. Los criminales que viven en los bajos fondos de la ciudad también deciden buscarlo, dado que la presión policial les está arruinando sus negocios.
Curiosidades
Fue la primera película sonora de Lang, a un año de que se haya incorporado el sonido al cine.
Célebre por la interpretación de Peter Lorre, quien luego de esta participación quedó tipificado por el personaje de villano
Está inspirada en el caso real de Peter Kürten, que asesinó a varios niños en la ciudad de Düsseldorf.
El fragmento de Peer Gynt que silba con gran frecuencia el personaje del asesino no era silbado por el actor Peter Lorre si no por Fritz Lang. A Lorre le resultaba muy difícil silbar la melodía durante largo rato y sin perder aire. Lang lo hizo por él ya que tenía gran habilidad para ello.
2
Alexander Nevsky, 1938, Rusia
“Obra cumbre de la estética rusa de entreguerras y una obra maestra”
Dirección: Sergei Eisenstein, D. I. Vassiliev. Intérpretes: N. P. Okhlopkov, Nikolai Cherkassov, A. L. Abrikossov, V. O. Masalitinova, V. S. Ivasheva. Duración: 1 hora 48 minutos
Alexander Nevsky (Александр Невский) is a 1938 historical drama film directed by Sergei Eisenstein and Dmitry Vasiliev and produced by Mosfilm, based on the life of Alexander Nevsky. With Nikolai Cherkasov in the title role and a score by Sergei Prokofiev, Alexander Nevsky is Eisenstein's most popular sound film, and has an audience appeal not found in his Ivan the Terrible.
Título Original: Alexander Nevsky
Año: 1938
Director: Sergei M. Eisenstein
Duración: 112 min
Guión: Sergei M. Eisenstein & Piotr A. Pavlenko
Música: Sergei Prokofiev
Fotografía: Eduard Tissé (B&W)
Reparto: Paul Richter, Margarete Schön, Hanna Ralph, Theodor Loos, Hans Adalbert von Schlettow, Rudolf Klein-Rogge, Bernhard Goetzke, Erwin Biswanger
Género: Drama épico/histórica
Género: Tras pasarse una década sin estrenar ninguna película, en 1938 Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra con el relato épico del principe Alexander Nevsky y su defensa de la zona norte de Rusia ante el ataque de los teutones. Narra la historia del Príncipe Alexander Nevsky desde su aparente posición de humilde pescador hasta su condición de héroe de guerra que llevó a su país a la victoria. Es el año 1242 y la historia comienza con la constante invasión de las tropas Mongoles a Rusia. Algunas de las organizaciones rusas, trataron, y consiguieron, la creación de un pacto de no-agresión, pero la gente consideraba a estos líderes como cobardes y traidores y Alexander paso a dirigir al proletariado a una batalla contra los nuevos invasores.
3
El triunfo de la voluntad 
“Obra maestra de la estética nazi y un testamento escalofriante del poder del fuhrer para imponer una estética espiritual para lo que es claramente político. Gran influencia en documentales posteriores”
El triunfo de la voluntad (en alemán, Triumph des Willens) es una película propagandista nazi dirigida por Leni Riefenstahl. Muestra el desarrollo del congreso del Partido Nacionalsocialista en 1934 en Núremberg. La película incluye imágenes de miembros uniformados del partido desfilando (aunque aparecen relativamente pocos soldados alemanes) al son de conocidas marchas, además de partes de discursos de varios líderes nazis en el Congreso como Adolf Hitler. Fue Hitler quien encargó el filme y su nombre figura en los créditos iniciales. El tema principal de El triunfo de la voluntad es el regreso de Alemania a la categoría de potencia mundial, con Hitler como una especie de mesías que devolverá la gloria a la nación.
La película se estrenó en 1935 y es una de las películas de propaganda más conocidas de la historia del cine.
Las técnicas utilizadas por Riefenstahl, que incluyeron cámaras en movimiento, el uso de teleobjetivos para crear una perspectiva distorsionada, fotografía aérea y un revolucionario enfoque en el uso de la música y la cinematografía, han hecho que El triunfo sea considerado como el documental político artístico mejor consumado en la historia del cine.
Riefenstahl ganó varios premios, no sólo en Alemania, sino también en Estados Unidos, Francia, Suecia y otros países. Esta película ha influenciado otros filmes, documentales y publicidades hasta el día de hoy, aun cuando es un ejemplo que pone en cuestión la delgada línea entre arte y moralidad.
Argumento
El triunfo de la voluntad ha sido descrita como «por nazis, para nazis y sobre los nazis». El filme comienza con un prólogo, el único comentario en toda la película. En un muro de piedra, aparece el siguiente texto: «El 5 de septiembre de 1934, ... 20 años después del estallido de la Guerra Mundial ... 16 años después del comienzo de nuestro sufrimiento ... 19 meses después del inicio del renacimiento alemán ... Adolf Hitler voló otra vez a Núremberg a inspeccionar las columnas de sus fieles seguidores».
Día 1: La película comienza mostrando imágenes de las nubes sobre la ciudad, para luego atravesarlas y flotar sobre las masas reuniéndonse debajo, con la intención de marcar la belleza y la majestuosidad de la escena. La sombra del aeroplano de Hitler es visible mientras pasa sobre las pequeñas figuras que marchan debajo, acompañada por música de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner, que lentamente se transforma en la Horst Wessel Lied. Luego de arribar al aeropuerto de Núremberg, Hitler emerge de su aeroplano para recibir el atronador aplauso de un multitud entusiasmada. Seguido por las aclamaciones de la gente, es conducido entonces a la ciudad hacia su hotel, donde un mítin nocturno tendrá lugar más tarde.
Día 2: El segundo día comienza con un montaje de los concurrentes preparándose para la apertura del Congreso del Partido, mostrando el arribo de los más destacados oficiales nazis al Luitpold Arena. La película salta después a la ceremonia de apertura, donde Rudolf Hess anuncia el inicio del Congreso. La cámara presenta luego a la mayoría de la jerarquía nazi y cubre sus discursos de apertura, incluyendo a Joseph Goebbels, Alfred Rosenberg, Hans Frank, Fritz Todt, Robert Ley, y Julius Streicher. El filme muestra posteriormente un mítin del Reichsarbeitdienst («Servicio de Trabajo del Reich»), que consiste primordialmente en una serie de habilidades pseudo-militares llevados a cabo por hombres con palas. Aquí es asimismo donde Hitler pronuncia su primer discurso sobre los méritos del Servicio de Trabajo, elogiándolos por su trabajo en reconstruir Alemania. El día termina con un desfile de antorchas de las SA.
Día 3: El tercer día se inicia con un mítin de las Juventudes Hitlerianas en el campo de desfiles. De nuevo la cámara cubre la llegada de los dignatarios nazis y la presentación de Hitler por Baldur von Schirach. Luego Hitler se dirige a la JH, expresándoles en términos militaristas cómo deben endurecerse y preparase para el sacrificio. Todos los presentes se congregan para una pasada e inspección militar, incluyendo caballería de la Wehrmacht y varios vehículos armados. Esa noche Hitler realiza otro discurso a la oficialidad de bajo rango reunida a la luz de las antorchas, conmemorando el primer año desde que los nazis tomaron el poder y declarando que el partido y el estado constituyen una sola entidad.
Día 4: El cuarto día es el clímax narrativo del filme, donde aparecen las imágenes más memorables. Acompañado por la música de Götterdämmerung, Hitler, flanqueado por Heinrich Himmler y Viktor Lutze, camina a través de una ancha y larga extensión rodeado por más de 150.000 tropas de las SA y SS formados en espera, para depositar una ofrenda en un memorial de la Primera Guerra Mundial. Posteriormente Hitler inspecciona las formaciones de SA y SS, para luego dar un discurso con Lutze en donde discuten la purga de la SA ocurrida meses antes. Lutze reafirma la lealtad de la SA hacia el régimen y Hitler la absuelve de cualquier crimen cometido por Ernst Röhm. Nuevas banderas del partido son consagradas haciéndolas tocar la Blutfahne (la misma bandera que llevaban los nazis derrotados durante el Putsch de Múnich) y luego de un desfile final en frente de Núrenberg Frauenkirche, Hitler realiza su discurso de cierre. En él reafirma la primacía del partido nazi en Alemania, declarando, "Todos los alemanes leales se volverán nacional-socialistas. ¡Sólo los mejores nacional-socialistas son camaradas del partido!". Hess lidera entonces a la multitud reunida en un saludo final para Hitler, marcando el final del congreso partidario. El filme se funde en negro mientras toda la multitud canta la Horst Wessel Lied.
Orígenes
"Poco después de su llegada al poder, Hitler me mandó llamar y me explicó que quería un filme acerca de un Congreso del Partido y que quería que yo lo hiciera. Mi primera reacción fue decir que yo no sabía nada acerca del modo en que funcionaba una cosa así o acerca de la organización del Partido, de modo que fotografiaría las cosas equivocadas y no complacería a nadie, aun suponiendo que pudiera hacer un documental, lo que nunca había hecho antes. Hitler dijo que era por esto exactamente que quería que yo lo hiciera: porque cualquiera que supiera todo acerca de la importancia relativa de las personas y grupos y demás podría hacer un filme pedante y exacto, pero que esto no era lo que él quería. Él quería un filme que mostrara el Congreso desde un ojo no experto seleccionando, sólo lo que fuera artísticamente satisfactorio; en términos de espectáculo, supongo que se puede decir. Él quería un filme que movilice, atraiga, impresione a una audiencia que no estaba necesariamente interesada en la política." -- Leni Riefenstahl
Riefenstahl, una popular actriz alemana, había dirigido su primer filme Das Blaue Licht (La luz azul) en 1932. Más o menos por la misma época escuchó por primera vez un discurso de Hitler en un mítin nazi y, según ella misma admitió, quedó impresionada. Más tarde comenzó a mantener correspondencia con él, situación que duraría años. Hitler, a su vez, quedó igualmente impresionado con Das Blaue Licht, y en 1933 le pidió a Riefenstahl que dirija un filme acerca del mítin nazi anual en Núremberg. Los nazis habían tomado el poder recientemente en un período de inestabilidad política (Hitler era el cuarto canciller alemán en menos de cuatro años) y eran desconocidos por muchos alemanes, sin mencionar por el resto del mundo.
Riefenstahl se mostró inicialmente renuente, no debido a algún tipo de problema moral, sino porque quería seguir haciendo filmes de ficción. Hitler insistió, y Riefenstahl eventualmente accedió a realizar un filme basado en el mítin de Núremberg de 1933 llamado Der Sieg des Glaubens. Sin embargo, el filme tuvo numerosos problemas técnicos, incluyendo falta de preparación (Riefenstahl reportó haber tenido sólo unos días) y la aparente aprensión de Hitler a ser filmado. Para empeorar las cosas, Riefenstahl tuvo que lidiar con la oposición de oficiales del Partido, en particular con Joseph Goebbels, quien trató de que el filme fuera lanzado por el Ministerio de Propaganda. Aunque a Sieg aparentemente no le fue tan mal en la taquilla, más tarde se volvió un motivo de escarnio para los nazis luego de que el líder de las SA, Ernst Röhm, quien tuvo un rol prominente en el filme, fuera ejecutado durante la Noche de los Cuchillos Largos.
En 1934, Riefenstahl no tenía deseos de repetir el fiasco de Sieg e inicialmente recomendó a un colega, el director Walter Ruttmann. El fim de Ruttmann, que hubiera abarcado el ascenso del Partido Nazi desde 1923 a 1934 y que hubiera sido más abiertamente propagandístico (el texto de apertura de El triunfo es suyo), no atrajo a Hitler. Éste volvió a insistirle a Riefenstahl, quien cedió finalmente (todavía se debate qué tan dispuesta se encontraba ella), luego de que Hitler le garantizara su apoyo personal y la promesa de impedir a los demás organismos nazis, específicamente el Ministerio de Propaganda, involucrarse con su filme.
“Obra maestra de la estética nazi y un testamento escalofriante del poder del fuhrer para imponer una estética espiritual para lo que es claramente político. Gran influencia en documentales posteriores”
El triunfo de la voluntad (en alemán, Triumph des Willens) es una película propagandista nazi dirigida por Leni Riefenstahl. Muestra el desarrollo del congreso del Partido Nacionalsocialista en 1934 en Núremberg. La película incluye imágenes de miembros uniformados del partido desfilando (aunque aparecen relativamente pocos soldados alemanes) al son de conocidas marchas, además de partes de discursos de varios líderes nazis en el Congreso como Adolf Hitler. Fue Hitler quien encargó el filme y su nombre figura en los créditos iniciales. El tema principal de El triunfo de la voluntad es el regreso de Alemania a la categoría de potencia mundial, con Hitler como una especie de mesías que devolverá la gloria a la nación.
La película se estrenó en 1935 y es una de las películas de propaganda más conocidas de la historia del cine.
Las técnicas utilizadas por Riefenstahl, que incluyeron cámaras en movimiento, el uso de teleobjetivos para crear una perspectiva distorsionada, fotografía aérea y un revolucionario enfoque en el uso de la música y la cinematografía, han hecho que El triunfo sea considerado como el documental político artístico mejor consumado en la historia del cine.
Riefenstahl ganó varios premios, no sólo en Alemania, sino también en Estados Unidos, Francia, Suecia y otros países. Esta película ha influenciado otros filmes, documentales y publicidades hasta el día de hoy, aun cuando es un ejemplo que pone en cuestión la delgada línea entre arte y moralidad.
Argumento
El triunfo de la voluntad ha sido descrita como «por nazis, para nazis y sobre los nazis». El filme comienza con un prólogo, el único comentario en toda la película. En un muro de piedra, aparece el siguiente texto: «El 5 de septiembre de 1934, ... 20 años después del estallido de la Guerra Mundial ... 16 años después del comienzo de nuestro sufrimiento ... 19 meses después del inicio del renacimiento alemán ... Adolf Hitler voló otra vez a Núremberg a inspeccionar las columnas de sus fieles seguidores».
Día 1: La película comienza mostrando imágenes de las nubes sobre la ciudad, para luego atravesarlas y flotar sobre las masas reuniéndonse debajo, con la intención de marcar la belleza y la majestuosidad de la escena. La sombra del aeroplano de Hitler es visible mientras pasa sobre las pequeñas figuras que marchan debajo, acompañada por música de Los maestros cantores de Núremberg de Richard Wagner, que lentamente se transforma en la Horst Wessel Lied. Luego de arribar al aeropuerto de Núremberg, Hitler emerge de su aeroplano para recibir el atronador aplauso de un multitud entusiasmada. Seguido por las aclamaciones de la gente, es conducido entonces a la ciudad hacia su hotel, donde un mítin nocturno tendrá lugar más tarde.
Día 2: El segundo día comienza con un montaje de los concurrentes preparándose para la apertura del Congreso del Partido, mostrando el arribo de los más destacados oficiales nazis al Luitpold Arena. La película salta después a la ceremonia de apertura, donde Rudolf Hess anuncia el inicio del Congreso. La cámara presenta luego a la mayoría de la jerarquía nazi y cubre sus discursos de apertura, incluyendo a Joseph Goebbels, Alfred Rosenberg, Hans Frank, Fritz Todt, Robert Ley, y Julius Streicher. El filme muestra posteriormente un mítin del Reichsarbeitdienst («Servicio de Trabajo del Reich»), que consiste primordialmente en una serie de habilidades pseudo-militares llevados a cabo por hombres con palas. Aquí es asimismo donde Hitler pronuncia su primer discurso sobre los méritos del Servicio de Trabajo, elogiándolos por su trabajo en reconstruir Alemania. El día termina con un desfile de antorchas de las SA.
Día 3: El tercer día se inicia con un mítin de las Juventudes Hitlerianas en el campo de desfiles. De nuevo la cámara cubre la llegada de los dignatarios nazis y la presentación de Hitler por Baldur von Schirach. Luego Hitler se dirige a la JH, expresándoles en términos militaristas cómo deben endurecerse y preparase para el sacrificio. Todos los presentes se congregan para una pasada e inspección militar, incluyendo caballería de la Wehrmacht y varios vehículos armados. Esa noche Hitler realiza otro discurso a la oficialidad de bajo rango reunida a la luz de las antorchas, conmemorando el primer año desde que los nazis tomaron el poder y declarando que el partido y el estado constituyen una sola entidad.
Día 4: El cuarto día es el clímax narrativo del filme, donde aparecen las imágenes más memorables. Acompañado por la música de Götterdämmerung, Hitler, flanqueado por Heinrich Himmler y Viktor Lutze, camina a través de una ancha y larga extensión rodeado por más de 150.000 tropas de las SA y SS formados en espera, para depositar una ofrenda en un memorial de la Primera Guerra Mundial. Posteriormente Hitler inspecciona las formaciones de SA y SS, para luego dar un discurso con Lutze en donde discuten la purga de la SA ocurrida meses antes. Lutze reafirma la lealtad de la SA hacia el régimen y Hitler la absuelve de cualquier crimen cometido por Ernst Röhm. Nuevas banderas del partido son consagradas haciéndolas tocar la Blutfahne (la misma bandera que llevaban los nazis derrotados durante el Putsch de Múnich) y luego de un desfile final en frente de Núrenberg Frauenkirche, Hitler realiza su discurso de cierre. En él reafirma la primacía del partido nazi en Alemania, declarando, "Todos los alemanes leales se volverán nacional-socialistas. ¡Sólo los mejores nacional-socialistas son camaradas del partido!". Hess lidera entonces a la multitud reunida en un saludo final para Hitler, marcando el final del congreso partidario. El filme se funde en negro mientras toda la multitud canta la Horst Wessel Lied.
Orígenes
"Poco después de su llegada al poder, Hitler me mandó llamar y me explicó que quería un filme acerca de un Congreso del Partido y que quería que yo lo hiciera. Mi primera reacción fue decir que yo no sabía nada acerca del modo en que funcionaba una cosa así o acerca de la organización del Partido, de modo que fotografiaría las cosas equivocadas y no complacería a nadie, aun suponiendo que pudiera hacer un documental, lo que nunca había hecho antes. Hitler dijo que era por esto exactamente que quería que yo lo hiciera: porque cualquiera que supiera todo acerca de la importancia relativa de las personas y grupos y demás podría hacer un filme pedante y exacto, pero que esto no era lo que él quería. Él quería un filme que mostrara el Congreso desde un ojo no experto seleccionando, sólo lo que fuera artísticamente satisfactorio; en términos de espectáculo, supongo que se puede decir. Él quería un filme que movilice, atraiga, impresione a una audiencia que no estaba necesariamente interesada en la política." -- Leni Riefenstahl
Riefenstahl, una popular actriz alemana, había dirigido su primer filme Das Blaue Licht (La luz azul) en 1932. Más o menos por la misma época escuchó por primera vez un discurso de Hitler en un mítin nazi y, según ella misma admitió, quedó impresionada. Más tarde comenzó a mantener correspondencia con él, situación que duraría años. Hitler, a su vez, quedó igualmente impresionado con Das Blaue Licht, y en 1933 le pidió a Riefenstahl que dirija un filme acerca del mítin nazi anual en Núremberg. Los nazis habían tomado el poder recientemente en un período de inestabilidad política (Hitler era el cuarto canciller alemán en menos de cuatro años) y eran desconocidos por muchos alemanes, sin mencionar por el resto del mundo.
Riefenstahl se mostró inicialmente renuente, no debido a algún tipo de problema moral, sino porque quería seguir haciendo filmes de ficción. Hitler insistió, y Riefenstahl eventualmente accedió a realizar un filme basado en el mítin de Núremberg de 1933 llamado Der Sieg des Glaubens. Sin embargo, el filme tuvo numerosos problemas técnicos, incluyendo falta de preparación (Riefenstahl reportó haber tenido sólo unos días) y la aparente aprensión de Hitler a ser filmado. Para empeorar las cosas, Riefenstahl tuvo que lidiar con la oposición de oficiales del Partido, en particular con Joseph Goebbels, quien trató de que el filme fuera lanzado por el Ministerio de Propaganda. Aunque a Sieg aparentemente no le fue tan mal en la taquilla, más tarde se volvió un motivo de escarnio para los nazis luego de que el líder de las SA, Ernst Röhm, quien tuvo un rol prominente en el filme, fuera ejecutado durante la Noche de los Cuchillos Largos.
En 1934, Riefenstahl no tenía deseos de repetir el fiasco de Sieg e inicialmente recomendó a un colega, el director Walter Ruttmann. El fim de Ruttmann, que hubiera abarcado el ascenso del Partido Nazi desde 1923 a 1934 y que hubiera sido más abiertamente propagandístico (el texto de apertura de El triunfo es suyo), no atrajo a Hitler. Éste volvió a insistirle a Riefenstahl, quien cedió finalmente (todavía se debate qué tan dispuesta se encontraba ella), luego de que Hitler le garantizara su apoyo personal y la promesa de impedir a los demás organismos nazis, específicamente el Ministerio de Propaganda, involucrarse con su filme.
4
“La vida futura” D. William Cameron Menzies 
“Versión futurista de una gran guerra de grandes dimensiones y que dura 25 años, que muestra el eterno conflicto entre el amor y la muerte en los asuntos humanos. Influencia posterior en Ridley Scout, con “Blade Runner” (1982). Película extraña.”
La película se estructura en cuatro partes diferenciadas que nos mostrarán el devenir del progreso de la humanidad, desde la época actual (1940) hasta una sociedad utópica situada en el 2036 después de una larga y cruenta guerra. Todo transcurre en una ciudad simbólica, que nos servirá como marco referencial: Everytown, digamos que el referente real sería Londres. Pues la película está marcada por un carácter bélico muy fuerte fruto de la época, no olvidemos que estamos en los años previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y se nota, se nota mucho.
Ficha TécnicaDirector: William Cameron Menzies
Productor: Alexander Korda para London Film
Guión: H. G. Wells, basado en su novela The Shape of Things to Come
Fotografía: Georges Périna
Música: Arthur Blis
Director Artístico: Vincent Korda
Intérpretes: Raymond Massey (John Cabal/Oswald Cabal), Edward Chapman (Pippa Pasworthy/Raymond Passworthy), Ralph Richardson (El Jefe), Maurice Bradell (Dr. Harding), Margaretta Scott (Roxana/Rowena), Cedric Hardwicke (Theotocopulos), Sophie Stewart (Señora Cabal), Derrick De Marney, Ann Todd, Pearl Argyle, Terry-Thomas…
Nacionalidad y año: UK 1936
Duración y datos técnicos: aprox. 90 min. B/NSe comenta que H. G. Wells, uno de los máximos precursores de la literatura de ciencia-ficción tal como hoy la conocemos, tuvo prácticamente las manos libres para abordar esta película, basada en una propia novela anterior: The Shape of Things to Come. No es de extrañar que el escritor aprovechara la plataforma que se había ganado a pulso para imprimir en ella su discurso social, basado en el socialismo utópico. Podríamos decir, además, que fue un caso en que la dualidad autor de la novela/guionista no provocó grandes conflictos con el director del film, sino que el tándem fue bueno.Para la dirección se contó con el debutante William Cameron Menzies, responsable de otro recordado clásico de la ciencia-ficción con un tono muy diferente, Invaders From Mars, de 1953. Menzies, que provenía del campo de la dirección artística, puso precisamente una especial atención en los aspectos artísticos y técnicos de la película, como se puede comprobar con el espectacular resultado final.
La Vida Futura es, primero de todo, un canto al progreso de la humanidad y un fuerte alegato antibelicista estructurado en cuatro partes diferenciadas. Casi un siglo transcurre ante nuestros ojos a lo largo de la hora y media que dura la película. Olvidémonos entonces de otro protagonista que no sea la propia humanidad en sí, representada por el pueblo de Everytown. Aunque el hilo conductor lo lleve John Cabal (Raymond Massey) y uno de sus descendientes, interpretado por el mismo actor (muchos lo recodarán por su interpretación de “clon de Boris Karloff” en Arsénico por compasión, gran película sí, gran película... y un Gary Grant espléndido), lo que nos interesa en la película es el progreso del ser humano como tal. Para reforzarlo, en ningún momento se nos explica quiénes son los enemigos en la contienda -aunque quede bastante claro- y Everytown, pese a ser Inglaterra, es un pueblo imaginario.
Esta maravilla cinematográfica es un ejemplo de planificación, montaje y fotografía impecable. A su vez, se trata de una brillante especulación futurista, que pese a verse superada por el propio paso de los años, mantiene muchos de sus postulados vigentes. A menudo injustamente olvidada, se trata junto a Metropolis (Fritz Lang) de una obra imprescindible para entender la ciencia ficción actual.
5
“Versión futurista de una gran guerra de grandes dimensiones y que dura 25 años, que muestra el eterno conflicto entre el amor y la muerte en los asuntos humanos. Influencia posterior en Ridley Scout, con “Blade Runner” (1982). Película extraña.”
La película se estructura en cuatro partes diferenciadas que nos mostrarán el devenir del progreso de la humanidad, desde la época actual (1940) hasta una sociedad utópica situada en el 2036 después de una larga y cruenta guerra. Todo transcurre en una ciudad simbólica, que nos servirá como marco referencial: Everytown, digamos que el referente real sería Londres. Pues la película está marcada por un carácter bélico muy fuerte fruto de la época, no olvidemos que estamos en los años previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y se nota, se nota mucho.
Ficha TécnicaDirector: William Cameron Menzies
Productor: Alexander Korda para London Film
Guión: H. G. Wells, basado en su novela The Shape of Things to Come
Fotografía: Georges Périna
Música: Arthur Blis
Director Artístico: Vincent Korda
Intérpretes: Raymond Massey (John Cabal/Oswald Cabal), Edward Chapman (Pippa Pasworthy/Raymond Passworthy), Ralph Richardson (El Jefe), Maurice Bradell (Dr. Harding), Margaretta Scott (Roxana/Rowena), Cedric Hardwicke (Theotocopulos), Sophie Stewart (Señora Cabal), Derrick De Marney, Ann Todd, Pearl Argyle, Terry-Thomas…
Nacionalidad y año: UK 1936
Duración y datos técnicos: aprox. 90 min. B/NSe comenta que H. G. Wells, uno de los máximos precursores de la literatura de ciencia-ficción tal como hoy la conocemos, tuvo prácticamente las manos libres para abordar esta película, basada en una propia novela anterior: The Shape of Things to Come. No es de extrañar que el escritor aprovechara la plataforma que se había ganado a pulso para imprimir en ella su discurso social, basado en el socialismo utópico. Podríamos decir, además, que fue un caso en que la dualidad autor de la novela/guionista no provocó grandes conflictos con el director del film, sino que el tándem fue bueno.Para la dirección se contó con el debutante William Cameron Menzies, responsable de otro recordado clásico de la ciencia-ficción con un tono muy diferente, Invaders From Mars, de 1953. Menzies, que provenía del campo de la dirección artística, puso precisamente una especial atención en los aspectos artísticos y técnicos de la película, como se puede comprobar con el espectacular resultado final.
La Vida Futura es, primero de todo, un canto al progreso de la humanidad y un fuerte alegato antibelicista estructurado en cuatro partes diferenciadas. Casi un siglo transcurre ante nuestros ojos a lo largo de la hora y media que dura la película. Olvidémonos entonces de otro protagonista que no sea la propia humanidad en sí, representada por el pueblo de Everytown. Aunque el hilo conductor lo lleve John Cabal (Raymond Massey) y uno de sus descendientes, interpretado por el mismo actor (muchos lo recodarán por su interpretación de “clon de Boris Karloff” en Arsénico por compasión, gran película sí, gran película... y un Gary Grant espléndido), lo que nos interesa en la película es el progreso del ser humano como tal. Para reforzarlo, en ningún momento se nos explica quiénes son los enemigos en la contienda -aunque quede bastante claro- y Everytown, pese a ser Inglaterra, es un pueblo imaginario.
Esta maravilla cinematográfica es un ejemplo de planificación, montaje y fotografía impecable. A su vez, se trata de una brillante especulación futurista, que pese a verse superada por el propio paso de los años, mantiene muchos de sus postulados vigentes. A menudo injustamente olvidada, se trata junto a Metropolis (Fritz Lang) de una obra imprescindible para entender la ciencia ficción actual.
5
“Los niños del paraíso” (1945) D. Marcel Carné 
“Basada en tres historias reales, un mimo, un actor y un dramaturgo metido a bandido; enamorados de una mujer que representa el eterno femenino. Cumbre del “realismo poético” o del “romanticismo pesimista”, realizada en plena ocupación alemana y sin sufrir censura, con productor alemán. Es la película más francesa de la historia. Hay una frase que dice: “Paris es pequeño para dos almas que se aman”
La película es evidente que supone un espléndido ejemplo de “gran producción”, destacando en ella tanto la riqueza de su vestuario, excelente ambientación y poderosos decorados interiores y –fundamentalmente- exteriores, responsabilidad de un Alexander Trauner entonces en plena clandestinidad. Todo ello para lograr la perfecta reconstrucción del parís de un siglo atrás –en concreto 1840-, y a mi juicio apostando una vez más por la fórmula del film d’art aunque afortunadamente dotándolo de vivacidad y entidad propia. Es evidente que nos encontramos ante una obra de equipo, en el que destaca la presencia como guionista de Jacques Prévert, matizando situaciones tragicómicas y ofreciendo diálogos de gran belleza.LES ENFANTS DU PARADIS es -en el fondo-, la demostración de la metáfora de la puesta en escena de la vida. En numerosas ocasiones las bajadas de un hipotético telón subrayan esa condición de drama o de tragedia que tiene la existencia, fundamentalmente por el amor no correspondido. La influencia de cada rasgo de carácter tendrá una determinante respuesta en el futuro, mientras que la presencia directa del mundo teatral y el de los volatineros y mimos se muestra como en una amigable competencia.
6.
“Basada en tres historias reales, un mimo, un actor y un dramaturgo metido a bandido; enamorados de una mujer que representa el eterno femenino. Cumbre del “realismo poético” o del “romanticismo pesimista”, realizada en plena ocupación alemana y sin sufrir censura, con productor alemán. Es la película más francesa de la historia. Hay una frase que dice: “Paris es pequeño para dos almas que se aman”
La película es evidente que supone un espléndido ejemplo de “gran producción”, destacando en ella tanto la riqueza de su vestuario, excelente ambientación y poderosos decorados interiores y –fundamentalmente- exteriores, responsabilidad de un Alexander Trauner entonces en plena clandestinidad. Todo ello para lograr la perfecta reconstrucción del parís de un siglo atrás –en concreto 1840-, y a mi juicio apostando una vez más por la fórmula del film d’art aunque afortunadamente dotándolo de vivacidad y entidad propia. Es evidente que nos encontramos ante una obra de equipo, en el que destaca la presencia como guionista de Jacques Prévert, matizando situaciones tragicómicas y ofreciendo diálogos de gran belleza.LES ENFANTS DU PARADIS es -en el fondo-, la demostración de la metáfora de la puesta en escena de la vida. En numerosas ocasiones las bajadas de un hipotético telón subrayan esa condición de drama o de tragedia que tiene la existencia, fundamentalmente por el amor no correspondido. La influencia de cada rasgo de carácter tendrá una determinante respuesta en el futuro, mientras que la presencia directa del mundo teatral y el de los volatineros y mimos se muestra como en una amigable competencia.
6.
“El intendente Sansho” (1954) Kenji Mizoguchi 
“Sin compasión, un hombre ya no es humano” dice un gobernador del Japón medieval. Historia de búsqueda de la familia y el tiempo perdido; y lucha contra la injusticia”.
Una de las mejores películas de la historia del cine japonés, y sin duda, una de las que más contribuyó a la difusión en Occidente de esta cinematografía. Obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia de 1954
Tamaki viaja a través del Japón con sus dos hijos, Zushiô y Anju. Regresan a su pueblo natal tras varios años, y recuerdan el momento en el que tuvieron que partir: su padre, gobernador del pueblo, cayó en desgracia por su trato justo hacia los campesinos. Durante ese camino van recordando las enseñanzas de su padre: los hombres son iguales y hay que apiadarse hasta de los enemigos. Una noche, se alojan en casa de una sacerdotisa, que ayuda a unos bandidos a raptar a los niños. Tamaki será vendida como prostituta, mientras los niños pasan a ser propiedad de Sansho, un cruel y miserable gobernador. El hijo de Sansho, se apiada de los niños, y les sugiere que oculten su verdadera identidad noble.Tras diez años en la hacienda de Sansho, Zushiô parece haber olvidado las enseñanzas de su padre y es uno de los más crueles esbirros de Sansho. Anju, su hermana, sigue trabajando en malas condiciones y sufre cuando sabe de las acciones de su hermano. Un día llega una nueva trabajadora que canta una canción que habla de dos hijos perdidos y añorados: ésta confiesa a Anju, la hija de Tamaki, que una vieja prostituta de la isla de la que viene la cantaba. Por esa canción, Anju sabrá que su madre aún les recuerda.Zushiô y Anju son obligados a llevar a una anciana moribunda a la montaña, para que sea devorada por las fieras y de ese modo no sea necesario enterrarla cuando muera. Anju incita a su hermano a que huya, mientras ella lo cubre. Zushiô carga con la moribunda y huye, mientras su hermana se inmola para evitar que la tortura le obligue a decir el lugar en el que su hermano se oculta. Los monjes budistas acogen a los fugitivos y los ocultan de sus perseguidores. La anciana moribunda se queda en el templo mientras Zushiô va a la ciudad a solicitar su libertad al Gobernador. Tras conocer su verdadera identidad, es reintegrado a su posición y nombrado alcalde, el mismo puesto que ocupó su padre, que murió un año antes. Como alcalde, promulga un decreto que da la libertad a todos los esclavos y acude a las tierras de Sansho para detenerlo, a pesar de que éste no está bajo su jurisdicción y depende directamente del emperador. Tras cumplir esa labor, dimite y se dirige a buscar a su madre, que vive ciega y abandonada.
7
“Sin compasión, un hombre ya no es humano” dice un gobernador del Japón medieval. Historia de búsqueda de la familia y el tiempo perdido; y lucha contra la injusticia”.
Una de las mejores películas de la historia del cine japonés, y sin duda, una de las que más contribuyó a la difusión en Occidente de esta cinematografía. Obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia de 1954
Tamaki viaja a través del Japón con sus dos hijos, Zushiô y Anju. Regresan a su pueblo natal tras varios años, y recuerdan el momento en el que tuvieron que partir: su padre, gobernador del pueblo, cayó en desgracia por su trato justo hacia los campesinos. Durante ese camino van recordando las enseñanzas de su padre: los hombres son iguales y hay que apiadarse hasta de los enemigos. Una noche, se alojan en casa de una sacerdotisa, que ayuda a unos bandidos a raptar a los niños. Tamaki será vendida como prostituta, mientras los niños pasan a ser propiedad de Sansho, un cruel y miserable gobernador. El hijo de Sansho, se apiada de los niños, y les sugiere que oculten su verdadera identidad noble.Tras diez años en la hacienda de Sansho, Zushiô parece haber olvidado las enseñanzas de su padre y es uno de los más crueles esbirros de Sansho. Anju, su hermana, sigue trabajando en malas condiciones y sufre cuando sabe de las acciones de su hermano. Un día llega una nueva trabajadora que canta una canción que habla de dos hijos perdidos y añorados: ésta confiesa a Anju, la hija de Tamaki, que una vieja prostituta de la isla de la que viene la cantaba. Por esa canción, Anju sabrá que su madre aún les recuerda.Zushiô y Anju son obligados a llevar a una anciana moribunda a la montaña, para que sea devorada por las fieras y de ese modo no sea necesario enterrarla cuando muera. Anju incita a su hermano a que huya, mientras ella lo cubre. Zushiô carga con la moribunda y huye, mientras su hermana se inmola para evitar que la tortura le obligue a decir el lugar en el que su hermano se oculta. Los monjes budistas acogen a los fugitivos y los ocultan de sus perseguidores. La anciana moribunda se queda en el templo mientras Zushiô va a la ciudad a solicitar su libertad al Gobernador. Tras conocer su verdadera identidad, es reintegrado a su posición y nombrado alcalde, el mismo puesto que ocupó su padre, que murió un año antes. Como alcalde, promulga un decreto que da la libertad a todos los esclavos y acude a las tierras de Sansho para detenerlo, a pesar de que éste no está bajo su jurisdicción y depende directamente del emperador. Tras cumplir esa labor, dimite y se dirige a buscar a su madre, que vive ciega y abandonada.
7
“Cuentos de la luna pálida de agosto” (1953) Kenji Mizoguchi
“Mezcla de lo real y lo sobrenatural de tal manera que no se pueden distinguir. PELÍCULA HERMOSA, POÉTICA Y HUMANA, PERO SOBRE TODO HERMOSA Y HUMILDE. No es su mejor película pero es la que más se queda en la memoria.”
SINOPSIS:
Basada en una leyenda del siglo XVI, narra la historia de dos ambiciosos campesinos que abandonan a sus familias en busca de poder, fama y riqueza.
“Mezcla de lo real y lo sobrenatural de tal manera que no se pueden distinguir. PELÍCULA HERMOSA, POÉTICA Y HUMANA, PERO SOBRE TODO HERMOSA Y HUMILDE. No es su mejor película pero es la que más se queda en la memoria.”
SINOPSIS:
Basada en una leyenda del siglo XVI, narra la historia de dos ambiciosos campesinos que abandonan a sus familias en busca de poder, fama y riqueza.
8
“Los siete samurais” (1954) Akira Kurosawa
“Drama de samurais e historia humana; nos cuenta la lucha de un grupo de guerreros por defender un pueblo de campesinos cobardes. Los campesinos ganan la libertad y ellos lo pierden todo. Valor y honor por encima de todo.”
Los siete samuráis - (七人の侍 Shichinin no samurai) es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954, y que influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western Los siete magníficos.
La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.
Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida
“Los siete samurais” (1954) Akira Kurosawa
“Drama de samurais e historia humana; nos cuenta la lucha de un grupo de guerreros por defender un pueblo de campesinos cobardes. Los campesinos ganan la libertad y ellos lo pierden todo. Valor y honor por encima de todo.”
Los siete samuráis - (七人の侍 Shichinin no samurai) es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954, y que influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western Los siete magníficos.
La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.
Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida
9
“Yojimbo” (1961) Akira Kurosawa
“Historia de azar y lucha entre familias. Es en la primera película dónde un hombre se siente desnudo sin su revolver. Amarga y cruel. Copiada por Sergio Leone en “Por un puñado de dólares”
Título Original: Yojimbo, 1961, JapónDirección: Akira Kurosawa Intérpretes: Takashi Shimura, Kamatari Fujiwara, Eijiro Tono, Isuzu Yamada, Toshirô Mifune Duración: 1 hora 50 minutos
La película se presentó en el festival de Venecia de 1961, lugar en que Kurosawa no era un desconocido. Era más bien un asiduo de los festivales desde que en 1950 ofreciera esa hermosa película sobre la verdad y la mentira que es Rashomon. O quizás ese título sea ante todo un ensayo perfecto sobre lo que es y supone el punto de vista narrativo. Kurosawa, en los años 60 y en los que seguirán hasta su muerte, es un maestro indiscutible del cine, acompañado muchas veces (como en este caso) de ese grandísimo actor que es Toshiro Mifune. Con Yojimbo, Mifune obtendría el premio de interpretación en el festival veneciano.
Yojimbo se convierte en una película mítica en cuanto su éxito lleva (como había ocurrido con Los siete samuráis) a la producción de varios remakes. Son los que conocíamos por aquí antes de editarse este hermoso filme de Kurosawa. El primero de ellos fue Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone, otro título importante por muchas causas (primer western de Leone, primera película en Europa de Clint Eastwood, primer spaghetti-western que alcanza grandes recaudaciones incluso... en Estados Unidos). El segundo (al menos reconocido y reconocible) El último hombre (Last man standing, 1996) de Walter Hill. El filme de Leone se ajusta más en estilo y forma al de Kurosawa, quizás por convertirlo en un western.
10
“Ran” (1985) Akira Kurosawa
“Obra cumbre de kurosawa dónde muestra la sabiduría de toda una vida dirigiendo. Color hermosísimo, historia de venganza cruel, donde el destino se impone sin piedad.(“el hombre nace llorando, cuando muere, muere”)”.
Título: Ran de Akira KurosawaTítulo original: RanPaís: Japón, Francia Estreno en USA: 20/12/1985 Estreno en España: 15/09/1985 Lanzamiento en DVD (alquiler): 26/09/2007 Estreno en DVD (venta): 26/09/2007 Productora: Nippon Herald Films, Herald Ace, Greenwich Film Productions Director: Akira Kurosawa Guión: Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide (Historia: William Shakespeare) Reparto: Tatsuya Nakadai, Akira Terau, Jinpachi Nezu, Mieko Harada, Koji Yakusho, Yoshiko Miyazaki, Daisuke Ryu
Dentro la de excepcional filmografía de Akira Kurosawa, Ran supone un punto de inflexión. Con esta película, que mantiene todo el rumor ceremonioso del cine asiático, a pesar de la excesiva expresividad corporal de sus actores, el director japonés demostró una vez más su particular dicción cinematográfica con una historia de conflicto generacional donde vuelve a respirarse su capacidad lírica y esa sutilísima concepción de la metáfora que supone uno de los mástiles de su obra. Que el tema escogido, que la referencia sea El rey Lear tiene más significación cuando es abordada por Kurosawa
11
“La torre de los siete jorobados” (1944) Edgard Neville
“La película más extraña y maravillosa que se haya rodado en España, imposible de repetir. Una ciudad secreta, judía, debajo de Madrid. Imagínense el resto… Hermosa, hermosa”
Director: Edgar NevilleIntérpretes: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán, Antonio Riquelme, Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas
Descripción: En el Madrid castizo de finales del siglo xix, el enigmático fantasma del doctor Mantua revela al joven Basilio la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan decenas de siniestros jorobados dedicados a actividades criminales.Basilio consigue dar con la torre de los siete jorobados, en cuyo interior permanece secuestrada e hipnotizada Inés, la sobrina del difunto doctor. Tras varias peripecias, logra rescatarla y huir juntos del tétrico lugar.
12
“Amanecer en puerta oscura” (1957) José María Forqué
“Historia de destino y fatalidad. Todo ocurre sin estar previsto, pero el amanecer en puerta oscura es lo que le da sentido”
Título Original: Amanecer en puerta oscura, 1957, España, italiaDirección: José María Forqué Intérpretes: Francisco Rabal, Valeriano Andrés, Luisella Boni, Barta Barry, Alberto Farnesse, Luis Peña, Josefina Serratosa, Alfonso Muñoz, José Sepúlveda, José Marco Davó Duración: 1 hora 28 minutos
Argumento de Amanecer en puerta oscura
Andalucía, siglo XIX. La inquietud política y el malestar social condicionan la vida del país y alientan la lucha y la revuelta. Manchado por un delito de sangre, Juan Cuenca vive refugiado en los montes andaluces y es perseguido por la justicia. A él se unen un minero que ha dado muerte a su capataz y un ingeniero amigo que, por defenderlo, ha matado al jefe de la mina. Cercados por la Guardia Civil tratan de llegar al mar para embarcar clandestinamente hacia América...
“Yojimbo” (1961) Akira Kurosawa
“Historia de azar y lucha entre familias. Es en la primera película dónde un hombre se siente desnudo sin su revolver. Amarga y cruel. Copiada por Sergio Leone en “Por un puñado de dólares”
Título Original: Yojimbo, 1961, JapónDirección: Akira Kurosawa Intérpretes: Takashi Shimura, Kamatari Fujiwara, Eijiro Tono, Isuzu Yamada, Toshirô Mifune Duración: 1 hora 50 minutos
La película se presentó en el festival de Venecia de 1961, lugar en que Kurosawa no era un desconocido. Era más bien un asiduo de los festivales desde que en 1950 ofreciera esa hermosa película sobre la verdad y la mentira que es Rashomon. O quizás ese título sea ante todo un ensayo perfecto sobre lo que es y supone el punto de vista narrativo. Kurosawa, en los años 60 y en los que seguirán hasta su muerte, es un maestro indiscutible del cine, acompañado muchas veces (como en este caso) de ese grandísimo actor que es Toshiro Mifune. Con Yojimbo, Mifune obtendría el premio de interpretación en el festival veneciano.
Yojimbo se convierte en una película mítica en cuanto su éxito lleva (como había ocurrido con Los siete samuráis) a la producción de varios remakes. Son los que conocíamos por aquí antes de editarse este hermoso filme de Kurosawa. El primero de ellos fue Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone, otro título importante por muchas causas (primer western de Leone, primera película en Europa de Clint Eastwood, primer spaghetti-western que alcanza grandes recaudaciones incluso... en Estados Unidos). El segundo (al menos reconocido y reconocible) El último hombre (Last man standing, 1996) de Walter Hill. El filme de Leone se ajusta más en estilo y forma al de Kurosawa, quizás por convertirlo en un western.
10
“Ran” (1985) Akira Kurosawa
“Obra cumbre de kurosawa dónde muestra la sabiduría de toda una vida dirigiendo. Color hermosísimo, historia de venganza cruel, donde el destino se impone sin piedad.(“el hombre nace llorando, cuando muere, muere”)”.
Título: Ran de Akira KurosawaTítulo original: RanPaís: Japón, Francia Estreno en USA: 20/12/1985 Estreno en España: 15/09/1985 Lanzamiento en DVD (alquiler): 26/09/2007 Estreno en DVD (venta): 26/09/2007 Productora: Nippon Herald Films, Herald Ace, Greenwich Film Productions Director: Akira Kurosawa Guión: Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide (Historia: William Shakespeare) Reparto: Tatsuya Nakadai, Akira Terau, Jinpachi Nezu, Mieko Harada, Koji Yakusho, Yoshiko Miyazaki, Daisuke Ryu
Dentro la de excepcional filmografía de Akira Kurosawa, Ran supone un punto de inflexión. Con esta película, que mantiene todo el rumor ceremonioso del cine asiático, a pesar de la excesiva expresividad corporal de sus actores, el director japonés demostró una vez más su particular dicción cinematográfica con una historia de conflicto generacional donde vuelve a respirarse su capacidad lírica y esa sutilísima concepción de la metáfora que supone uno de los mástiles de su obra. Que el tema escogido, que la referencia sea El rey Lear tiene más significación cuando es abordada por Kurosawa
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“La torre de los siete jorobados” (1944) Edgard Neville
“La película más extraña y maravillosa que se haya rodado en España, imposible de repetir. Una ciudad secreta, judía, debajo de Madrid. Imagínense el resto… Hermosa, hermosa”
Director: Edgar NevilleIntérpretes: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán, Antonio Riquelme, Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas
Descripción: En el Madrid castizo de finales del siglo xix, el enigmático fantasma del doctor Mantua revela al joven Basilio la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan decenas de siniestros jorobados dedicados a actividades criminales.Basilio consigue dar con la torre de los siete jorobados, en cuyo interior permanece secuestrada e hipnotizada Inés, la sobrina del difunto doctor. Tras varias peripecias, logra rescatarla y huir juntos del tétrico lugar.
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“Amanecer en puerta oscura” (1957) José María Forqué
“Historia de destino y fatalidad. Todo ocurre sin estar previsto, pero el amanecer en puerta oscura es lo que le da sentido”
Título Original: Amanecer en puerta oscura, 1957, España, italiaDirección: José María Forqué Intérpretes: Francisco Rabal, Valeriano Andrés, Luisella Boni, Barta Barry, Alberto Farnesse, Luis Peña, Josefina Serratosa, Alfonso Muñoz, José Sepúlveda, José Marco Davó Duración: 1 hora 28 minutos
Argumento de Amanecer en puerta oscura
Andalucía, siglo XIX. La inquietud política y el malestar social condicionan la vida del país y alientan la lucha y la revuelta. Manchado por un delito de sangre, Juan Cuenca vive refugiado en los montes andaluces y es perseguido por la justicia. A él se unen un minero que ha dado muerte a su capataz y un ingeniero amigo que, por defenderlo, ha matado al jefe de la mina. Cercados por la Guardia Civil tratan de llegar al mar para embarcar clandestinamente hacia América...
13
“El topo” (1970) Alejandro Jodorowsky 
“Película de su tiempo y búsqueda infructuosa de la iluminación, sentimiento de vacío y soledad. Acto supremo de auto inmolación para redimir su culpa. Película extraña y muy personal de su director, diferente a cualquiera que se haya rodado”
Cuento de duros pistoleros obsesionados con ganar duelos en el desierto para llegar a ser la pistola más rápida del Oeste. Con una visión surrealista cuidadosamente construida con desbordante imaginación y cifrados simbolismos, Jodorowsky amplía el concepto de realidad a un nivel desconocido.Guión y dirección: Alejandro JodorowskyProducida por:Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg y Roberto Viskin Ayudante de dirección:José Luis González de LeónMúsica:Alejandro Jodorowsky y Nacho MéndezFotografía:Rafael CorkidiEdición: Federico LanderosDirección artística:José DuránDiseño de producción:Alejandro JodorowskySonido:Gonzalo Gavira y Lilia LupercioDiseño de vestuario:Alejandro JodorowskyDecoración: José Luis Garduño
Ficha artística:El Topo: Alejandro JodorowskyHijo de El Topo: Brontis JodorowskyBandido 1: Alfonso ArauMara: Mara Lorenzio
14
“Solaris” (1972) Andrei Tarkovski
“Abajo la realidad, viva la fantasía. No a la racionalidad y sí a los sentimientos. No es cine es la esencia de los deseos”
URSS, 1972Título original: SolyarisDirección: Andrei TarkovskyGuión: Stanislaw Lem, Friedrich GorensteinProducción: Viacheslav TarasovMúsica: Eduard ArtemievFotografía: Vadim YusovReparto: Natalya Bondarchuk (Hari); Donatas Banionis (Kris Kelvin); Yuri Jarvet (Snauth); Anatoli Solonitsyn (Sartorius); Vladislav Dvorjetski (Burton); Nikolai Grinko (Father); Sos Sarkisyan (Gibaryan
PremiosLondres: Premio a la mejor película del año (1972). Cannes: Gran Premio Especial del Jurado; Premio Ecuménico (1972). San Francisco: Mejor Película; Premio del Jurado Interfilm (1972). Panamá: Premio a la mejor interpretación femenina (Natalia Bondarchuk) (1973). Carlovy Vary: Premio de la Asociación Internacional de Cine Clubs (1973). Stradford: Diploma de Honor (1973).
Unos cuervos vuelan sobre la nieve y el árbol nevado de un cuadro; un carro con tierra, niños jugando, campesinos, todos ellos en el paisaje helado. Una película donde Kris niño aparece acercándose a un fuego, y su madre, hermosa, distinta. Mientras, él y Harey flotan inmóviles en el aire: son unos minutos de ingravidez, la verdadera escena de amor. Luego Harey, que duda de su realidad, pide ser aniquilada, desaparecen los visitantes, surgen reflexiones: Dios, el sentido de la vida, el deseo de saber, el misterio de la felicidad y de la muerte. Pero es hora de volver a tierra: el agua y las hojas de la imagen inicial y aquel paisaje, pero ahora helado, paralizante; el mismo Kris que, como al principio, lo mira, parece ajeno al movimiento. Llega, sin embargo, a su casa. Junto a la puerta, un fuego. Desde fuera, a través de la ventana, ve en el interior a su padre (sobre su hombro cae la lluvia) y éste lo ve a él y sale a recibirlo. El humo se ensancha y nos aleja: la imagen de la casa, el padre y el hijo son una isla en el océano de Solaris, una masa plateada y sinuosa como un inmenso cerebro.
15
“Dead man” (1995) Jim Jarmusch
“Metáfora sobre el hombre y su encuentro con el mundo y la naturaleza. Metáfora de cambio y de renacimiento a través de la destrucción de un mundo”
Sinopsis:
William Blake acepta una oferta de trabajo en otra ciudad, pero cuando llega a su lugar de destino comprueba que el propietario de la factoría ha cedido su puesto a otra persona. En vista de ello, decide adentrarse en las tierras del Oeste.
Título Original: "Dead man".Género: Drama.Dirección: Jim Jarmusch .Guión: Jim Jarmusch .Reparto: Johnny Depp Crispin Glover
“Película de su tiempo y búsqueda infructuosa de la iluminación, sentimiento de vacío y soledad. Acto supremo de auto inmolación para redimir su culpa. Película extraña y muy personal de su director, diferente a cualquiera que se haya rodado”
Cuento de duros pistoleros obsesionados con ganar duelos en el desierto para llegar a ser la pistola más rápida del Oeste. Con una visión surrealista cuidadosamente construida con desbordante imaginación y cifrados simbolismos, Jodorowsky amplía el concepto de realidad a un nivel desconocido.Guión y dirección: Alejandro JodorowskyProducida por:Juan López Moctezuma, Moshe Rosemberg y Roberto Viskin Ayudante de dirección:José Luis González de LeónMúsica:Alejandro Jodorowsky y Nacho MéndezFotografía:Rafael CorkidiEdición: Federico LanderosDirección artística:José DuránDiseño de producción:Alejandro JodorowskySonido:Gonzalo Gavira y Lilia LupercioDiseño de vestuario:Alejandro JodorowskyDecoración: José Luis Garduño
Ficha artística:El Topo: Alejandro JodorowskyHijo de El Topo: Brontis JodorowskyBandido 1: Alfonso ArauMara: Mara Lorenzio
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“Solaris” (1972) Andrei Tarkovski
“Abajo la realidad, viva la fantasía. No a la racionalidad y sí a los sentimientos. No es cine es la esencia de los deseos”
URSS, 1972Título original: SolyarisDirección: Andrei TarkovskyGuión: Stanislaw Lem, Friedrich GorensteinProducción: Viacheslav TarasovMúsica: Eduard ArtemievFotografía: Vadim YusovReparto: Natalya Bondarchuk (Hari); Donatas Banionis (Kris Kelvin); Yuri Jarvet (Snauth); Anatoli Solonitsyn (Sartorius); Vladislav Dvorjetski (Burton); Nikolai Grinko (Father); Sos Sarkisyan (Gibaryan
PremiosLondres: Premio a la mejor película del año (1972). Cannes: Gran Premio Especial del Jurado; Premio Ecuménico (1972). San Francisco: Mejor Película; Premio del Jurado Interfilm (1972). Panamá: Premio a la mejor interpretación femenina (Natalia Bondarchuk) (1973). Carlovy Vary: Premio de la Asociación Internacional de Cine Clubs (1973). Stradford: Diploma de Honor (1973).
Unos cuervos vuelan sobre la nieve y el árbol nevado de un cuadro; un carro con tierra, niños jugando, campesinos, todos ellos en el paisaje helado. Una película donde Kris niño aparece acercándose a un fuego, y su madre, hermosa, distinta. Mientras, él y Harey flotan inmóviles en el aire: son unos minutos de ingravidez, la verdadera escena de amor. Luego Harey, que duda de su realidad, pide ser aniquilada, desaparecen los visitantes, surgen reflexiones: Dios, el sentido de la vida, el deseo de saber, el misterio de la felicidad y de la muerte. Pero es hora de volver a tierra: el agua y las hojas de la imagen inicial y aquel paisaje, pero ahora helado, paralizante; el mismo Kris que, como al principio, lo mira, parece ajeno al movimiento. Llega, sin embargo, a su casa. Junto a la puerta, un fuego. Desde fuera, a través de la ventana, ve en el interior a su padre (sobre su hombro cae la lluvia) y éste lo ve a él y sale a recibirlo. El humo se ensancha y nos aleja: la imagen de la casa, el padre y el hijo son una isla en el océano de Solaris, una masa plateada y sinuosa como un inmenso cerebro.
15
“Dead man” (1995) Jim Jarmusch
“Metáfora sobre el hombre y su encuentro con el mundo y la naturaleza. Metáfora de cambio y de renacimiento a través de la destrucción de un mundo”
Sinopsis:
William Blake acepta una oferta de trabajo en otra ciudad, pero cuando llega a su lugar de destino comprueba que el propietario de la factoría ha cedido su puesto a otra persona. En vista de ello, decide adentrarse en las tierras del Oeste.
Título Original: "Dead man".Género: Drama.Dirección: Jim Jarmusch .Guión: Jim Jarmusch .Reparto: Johnny Depp Crispin Glover
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“Oldboy” (2003) Chan wook Park
“Visión oriental del mundo y sus injusticias, soledad del hombre, deseo de venganza. Todo en un argumento original. Todo es fuerza en esta historia”
Sinopsis:
Un hombre llamado Oh Dae-su es secuestrado. Lo mantienen en una habitación con televisión y sin ninguna comunicación sin saber por qué. La policía le atribuye a él la muerte de su mujer, ocurrida un año después de su secuestro. Oh Dae-su escribe todo lo que haya podido ofender a alguien preguntándose si alguna de esas cosas es la responsable de encontrarse en esa situación. Al cabo de 15 años lo ponen en libertad y recibe una llamada que le propone descubrir el motivo de su cautiverio.
Referencias:
Dirige Park Chan-wook (Corea del Sur, 1963), licenciado en Filosofía por la Universidad de Sogang e interesado siempre por el cine de arte y ensayo o de culto. Su filmografía incluye Zona conjunta de seguridad (2000) y Compasión por Mr. Venganza (2002).
Está protagonizada por Choi Min-Sik, que entrenó a lo largo de seis semanas para preparar el papel, perder varios kilos de peso, y ser su propio especialista.
El guión es se inspira en el manga homónimo de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki.
El director Bong Joon-ho (Memories of murder) le recomendó el manga al Park Chan-wook. Al igual que su anterior largo, la película habla de la venganza y reconoce que es posible que ambas cintas se parezcan en cierto sentido, aunque quería enseñar otra perspectiva de la venganza con Old Boy, concretamente el lado positivo, para que el espectador sienta la catarsis del acto vengador.
Está producida por Show East con la participación de Egg Film.
Consiguió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2004 y el correspondiente a mejor película y el de la crítica en el Festival de Cine de Sitges.
En una de las escenas se comieron ocho pulpos vivos, un plato típico en Corea, lo que provocó cierta controversia en algunos países. El director, cuando recibió el premio en el Festival de Cine de Cannes 2004, agradeció al equipo y a los pulpos el haber conseguido el galardón.
Fue candidata a los Premios del Cine Europeo 2004
“Oldboy” (2003) Chan wook Park
“Visión oriental del mundo y sus injusticias, soledad del hombre, deseo de venganza. Todo en un argumento original. Todo es fuerza en esta historia”
Sinopsis:
Un hombre llamado Oh Dae-su es secuestrado. Lo mantienen en una habitación con televisión y sin ninguna comunicación sin saber por qué. La policía le atribuye a él la muerte de su mujer, ocurrida un año después de su secuestro. Oh Dae-su escribe todo lo que haya podido ofender a alguien preguntándose si alguna de esas cosas es la responsable de encontrarse en esa situación. Al cabo de 15 años lo ponen en libertad y recibe una llamada que le propone descubrir el motivo de su cautiverio.
Referencias:
Dirige Park Chan-wook (Corea del Sur, 1963), licenciado en Filosofía por la Universidad de Sogang e interesado siempre por el cine de arte y ensayo o de culto. Su filmografía incluye Zona conjunta de seguridad (2000) y Compasión por Mr. Venganza (2002).
Está protagonizada por Choi Min-Sik, que entrenó a lo largo de seis semanas para preparar el papel, perder varios kilos de peso, y ser su propio especialista.
El guión es se inspira en el manga homónimo de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki.
El director Bong Joon-ho (Memories of murder) le recomendó el manga al Park Chan-wook. Al igual que su anterior largo, la película habla de la venganza y reconoce que es posible que ambas cintas se parezcan en cierto sentido, aunque quería enseñar otra perspectiva de la venganza con Old Boy, concretamente el lado positivo, para que el espectador sienta la catarsis del acto vengador.
Está producida por Show East con la participación de Egg Film.
Consiguió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2004 y el correspondiente a mejor película y el de la crítica en el Festival de Cine de Sitges.
En una de las escenas se comieron ocho pulpos vivos, un plato típico en Corea, lo que provocó cierta controversia en algunos países. El director, cuando recibió el premio en el Festival de Cine de Cannes 2004, agradeció al equipo y a los pulpos el haber conseguido el galardón.
Fue candidata a los Premios del Cine Europeo 2004
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